بودكاست التاريخ

خوتان تيراكوتا امرأة ذات شعر طويل

خوتان تيراكوتا امرأة ذات شعر طويل


تاريخ الأوشحة - دليلنا الكامل

كرمز للأنوثة ، الوشاح هو إكسسوار الأزياء الأنيق المطلق الذي ينضح بالرقي والأناقة. كملابس يتم ارتداؤها لأغراض عملية ، يمكن للوشاح أن يوفر الدفء لمن يرتديه أو يبقيها باردة. يأتي الوشاح في العديد من الأشكال والشكل مما يدل على وجوده في كل مكان وقدرته على الاندماج في خزائن كل امرأة بلا شك على مدى العقود القليلة الماضية.

الأصول

تعود أصول الوشاح إلى مصر القديمة ، وبالتحديد إلى الملكة نفرتيتي ، التي يُعتقد أنها كانت ترتدي وشاحًا ملفوفًا تحت غطاء رأس مرصع بالجواهر. في حين أن الأوشحة ترتبط في كثير من الأحيان بخزانة الملابس النسائية في الوقت الحاضر ، إلا أن الرجال والنساء يرتدونها لقرون عديدة. في روما القديمة ، كان الرجال يرتدونها كـ "ملابس للعرق" تُستخدم للحفاظ على العرق باردًا وجافًا.

في الشرق الأقصى ، كان يرتدي العسكريون الأوشحة لإظهار الرتبة. يمكن رؤية الأوشحة ذات التصميمات العديدة ، والتي يتم ارتداؤها بطرق مختلفة ، على جنود جيش التراكوتا ، الذين دفنوا منذ أكثر من 200 عام قبل الميلاد. يقال أنه عند عودته من مصر ، أهدى نابليون بونابرت زوجته جوزفين ليكون بوهارنيه وشاح الباشمينا. بينما كانت ساخرة في البداية بشأن هذه الهدية الغريبة ، لوحظ أنها جمعت أكثر من 400 وشاح على مدار السنوات الثلاث المقبلة ، وبلغ إجمالي قيمتها حوالي 80 ألف جنيه إسترليني.

من السهل تصديق أن الوشاح كان ناجحًا بين عشية وضحاها ، ولكن تطور الوشاح من ملحق عملي بسيط إلى قطعة عصرية يجب ارتداؤها بالتأكيد لم يحدث بين عشية وضحاها.

شالات كشمير

أصبحت شالات الكشمير مثالاً للأزياء الراقية في القرن التاسع عشر. تم إنشاء نمط بيزلي الشهير خلال هذا الوقت حيث كانت أول مدينة تصنع شالات الكشمير "بيزلي" المشابهة لتلك التي أعادها بونابرت.

كانت المدينة موطنًا لـ 7000 من النساجين وكانت الشالات شائعة جدًا لدرجة أن الملكة فيكتوريا اشترت شالًا في عام 1842. في النصف الأخير من القرن ، تراجعت شعبية الشالات مع ظهور اتجاهات جديدة. تطورت خزانات الملابس النسائية بحيث أصبح من غير العملي أكثر فأكثر ارتداء شال فوق أكتاف المرء.

واجب الحرب

خلال الحرب العالمية الأولى ، أصبحت الحياكة أكثر من مجرد هواية للنساء والأطفال وحتى الرجال في جميع أنحاء العالم. كان يعتبر واجبا حربيا وطنيا. تم إنتاج أطنان من الجوارب والسترات والأوشحة لإرسالها إلى العسكريين لإبقائها دافئة وجافة في ظروف الحرب.

في حين أن الحياكة في الوقت الحاضر تعتبر هواية قديمة ، إلا أن الحياكة أنقذت حياة العديد من الجنود خلال الحرب. تم إنتاج البضائع المحبوكة بالطن وشحنها إلى القوات التي كانت تحارب الظروف القاسية والرطبة والباردة ليس فقط في الخنادق ولكن أيضًا في الهواء أيضًا.

بالإضافة إلى الأوشحة المحبوكة ، يرتدي الطيارون أيضًا أوشحة بيضاء من الحرير أثناء الطيران لأن القماش الناعم المرن يوفر الحماية من احتكاك الرقبة. خلال الحرب العالمية الأولى ، لعب الحرير دورًا مهمًا للغاية في العمليات العسكرية. تم استخدام أكياس الحرير لنقل شحنات البارود للأسلحة حيث لم يترك الحرير أي بقايا عند حرقها. بعد الحرب ، تم تحويل هذا الفائض من الحرير إلى الملابس والأوشحة والمفروشات.

ظهور الأوشحة كملحقات

مع ظهور الحرير في الغرب ، تحسنت طرق التصنيع وبدأت العديد من ماركات الملابس في إنتاج إكسسوارات الحرير. بدأت Liberty Of London في إنتاج الأوشحة الحريرية الخفيفة التي أصبحت شائعة للغاية خلال سنوات ما بعد الحرب. قدمت مطبوعاتهم النشطة مقويًا تمس الحاجة إليه للكآبة التي كانت الحياة على الجبهة الداخلية في السنوات الأولى بعد الحرب.

وبالمثل ، في عام 1937 ، بدأت دار الأزياء الفرنسية هيرميس في استيراد الحرير الصيني ليتم نسجه في أوشحة مربعة فاخرة. كان الحرير الخام المستورد من الصين قويًا بشكل خاص وأكثر متانة. تعكس التصميمات خلفية الفروسية التي كانت متجذرة بعمق في تاريخ هيرميس وما زالت هذه التصاميم الأكثر شعبية في الوقت الحاضر. لمسات Hermès الكلاسيكية التي أصبحت مرادفة للعلامة التجارية مثل الحواف الملفوفة يدويًا والتفاصيل المرسومة يدويًا و 90 سم × 90 سم تم إنشاؤها جميعًا في هذه المرحلة المبكرة.

تطوير المواد التركيبية

تعتبر الأوشحة الحريرية ، بين الحين والآخر ، ترفًا ويمكن أن تكون باهظة الثمن بالنسبة للعديد من النساء. مع اختراع الحرير الصناعي في ثلاثينيات القرن الماضي ، المعروف أيضًا باسم الفسكوز ، كانت هذه الألياف الزلقة عبارة عن مادة شبه اصطناعية أطلق عليها اسم "الحرير الصناعي". يمكن أن تحاكي جميع خصائص الحرير ولكنها كانت جزءًا صغيرًا من السعر.

استمر اتجاه الوشاح في الازدهار لأنه سمح لمزيد من النساء بارتداء أحدث صيحات الموضة. ومع ذلك ، مع اندلاع الحرب العالمية الثانية ، كان لابد من أن تصبح الخزائن عملية ومعقولة قبل كل شيء. تم تجنيد العديد من النساء لتولي الوظائف التي كان يقوم بها الرجال عادة. من العمل في مصانع تصنيع الأسلحة إلى الطائرات العسكرية ، جاءت مطالب "العمل الحربي" أولاً.

كانت مخاوف السلامة داخل المصانع تعني أن النساء اللائي يشغلن الآلات كان عليهن التأكد من إزالة أي شعر طويل بشكل واضح. وهذا يعني أن النساء يرتدين الحجاب على سبيل الضرورة وليس من قبيل الإكسسوار. نتيجة لتقنين الملابس طوال الحرب العالمية الثانية ، أصبحت لوحة الألوان باهتة ومتجهمة لأن المواد كانت تقتصر على القطن والكتان ، والتي كانت أرخص وأسهل في الوصول إليها.

الأوشحة كأداة دعاية

على الرغم من قيود الحرب ، استمرت ماركة الأوشحة البريطانية الشهيرة Jacqmar of London في إنتاج الأوشحة ذات الموضوعات الدعائية الخيالية من عام 1940 إلى عام 1945. بدأ جاكمار في توريد الحرير لبيوت الأزياء الراقية في جميع أنحاء العالم ، لكنه سرعان ما لاحظ الكثير من القطع التي تم إنتاجها ونتيجة لذلك ، بدأوا في إنتاج الأوشحة الحريرية ، والتي أصبحت شائعة للغاية خلال فترة الحرب. غالبًا ما كانت إمدادات النسيج قصيرة خلال هذا الوقت ، لذلك كان جاكمار يستخدم قطع من حرير المظلة وكذلك الحرير الصناعي والكتان.

استندت تصاميم الأوشحة إلى ثلاثة محاور مركزية: الجيش والقوات المتحالفة والجبهة الداخلية. كانت هذه تحظى بشعبية خاصة بين العشاق الصغار وأصبحت في الوقت الحاضر عناصر عزيزة لهواة الجمع. حتى المتحف البريطاني في لندن يمتلك العديد من أوشحة جاكمار النادرة في مجموعة أزياء الحرب الخاصة بهم. في فترة ما بعد الحرب ، احتفلت التصميمات بالنصر ، كما يتخيل المرء ، ثم تقدمت إلى أنماط أكثر عمومية مثل الأزهار والهندسة.

أوشحة ما بعد الحرب

بعد نهاية الحرب العالمية الثانية ، كان العالم يتوق إلى ألوان أكثر جرأة وحيوية في خزائن ملابسهم. جذبت الأوشحة المنقوشة جمهوراً واسعاً خلال هذا الوقت. من عام 1946 حتى 1955 شركة نسيج ، كلفت Ascher بتصميمات من كبار الفنانين حول العالم. كان هنري ماتيس وبابلو بيكاسو وهنري مور من بين 42 فنانًا مشهورًا عالميًا ساهموا في "ساحات الفنانين" في Ascher. لم يوحد المشروع مجتمع الفن بعد الحرب فحسب ، بل قام أيضًا بتزاوج المثل العليا في كل من الفن والموضة مما يجعل الفنون الجميلة في متناول الكثيرين.

الأوشحة الحريرية كإكسسوار بريق

كشكل من أشكال التعبير عن الذات ، سرعان ما عاد الوشاح الحريري إلى الموضة حيث سمحت المادة بطباعة أنماط مشرقة وتفاصيل زاهية وحادة. نمت شعبية هيرميس مع ارتداء أمثال أودري هيبورن وغريس كيلي الأوشحة في الأفلام أو عرض أوشحة هيرميس الأنيقة في جميع أنحاء نيويورك وموناكو.

اكتسبت الأوشحة الحريرية سمعة سيئة وسرعان ما أصبحت رمزًا للسحر والقوة والاستقلال. على حد تعبير أودري هيبورن أدناه "عندما أرتدي وشاحًا حريريًا ، لا أشعر أبدًا بأنني امرأة جميلة."

بينما كانت أودري تحب ارتداء أوشحتها المربوطة بدقة حول رقبتها ، صممت بريجيت باردو وشاحها في عقال. ارتدت غريس كيلي وشاحًا حريريًا من Hermès على غلاف مجلة LIFE في عام 1956 ، لكنها تصدرت عناوين الصحف مرة أخرى عندما ارتدت وشاحًا من Hermès كعلاقة ذراع في وقت لاحق من نفس العام. حتى الملكة إليزابيث الثانية كانت مزخرفة على طابع بريدي وهي ترتدي وشاح هيرميس.

كانت التصميمات في هذا الوقت فاترة واستحوذت على روح متفائلة مما يعني بدوره أن المرأة يمكن أن تكون مرحة ليس فقط مع الأوشحة ولكن أيضًا مع اختياراتها الكاملة من الملابس. لم يكن الحجاب "ملحقًا" بين الأغنياء والمشاهير فحسب ، بل إنه يمنحهم أيضًا الخصوصية. عندما تم تنسيقه مع النظارات الشمسية الكبيرة في الستينيات ، كان هذا الاقتران بمثابة حجاب لأولئك الذين سعوا للحفاظ على مستوى من إخفاء الهوية.

خلال هذا العقد ، لم تكن النخبة العصرية فقط هي من تشتري الأوشحة الحريرية الفاخرة. مطعم نيويورك الشهير ، "21 Club" غالبًا ما يكون ببساطة "21" ، يتردد عليه المشاهير منذ الثلاثينيات. من بين الضيوف البارزين إليزابيث تايلور وجون إف كينيدي وإرنست همنغواي على سبيل المثال لا الحصر. من المحتمل التعرف عليه من خلال منحوتات الفارس الـ 21 التي تظهر على واجهة المطعم.

في كل عيد ميلاد ، كان المالكون يسلمون وشاحًا مخصصًا لعملائهم الدائمين. ستتغير هذه التصاميم سنويًا ، ومع ذلك ، كان الموضوع الرئيسي دائمًا هو الفروسية والفرسان. أصبحت هذه الآن أيقونية من حيث تذكارات الأوشحة حيث كانت التصاميم نادرة جدًا ومطلوبة للغاية.

الأوشحة كإكسسوار فاخر

قامت العديد من بيوت الأزياء أيضًا بنقل أسلوب توقيعها على الأوشحة لتلخيص إحساس العلامة التجارية. يمكن أن ترتديه النساء في جميع أنحاء العالم وشاح الترتان الشهير من بربري على وشاح يكلف أقل من خُمس سعر معطف تان تان المميز من بربري. أعطى هذا العلامات التجارية للأزياء الفاخرة حضوراً عالمياً مهيمناً ولكن الأهم من ذلك أنها أعطت النساء الفرصة لإظهار مشترياتهن من المصممين.

كانت تصاميم الثمانينيات جريئة وواثقة. استخدمت شانيل سلاسل جريئة لتقليد مقابض السلسلة على حقائب اليد ، ووضعت شعارات كبيرة متشابكة CC على أوشحتها. استحوذت هذه التصميمات التي لا تُنسى على الفروق من علامة تجارية إلى علامة تجارية وسمحت للمرأة بالتعرف بقوة على جماليات علامات تجارية معينة على غيرها.

تراجع الشعبية في التسعينيات

مع اقتراب التسعينيات من القرن الماضي وصعود التصنيع والعمالة الرخيصة ، نمت شعبية العديد من بدائل الحرير. يمكن بسهولة طباعة التصميمات الزاهية الزاهية على هذه المواد وبصباغ أقل تكلفة في هذه العملية أيضًا. نظرًا لأن الحرير هو ممارسة كثيفة العمالة بشكل خاص ، فقد أصيب المزارعون بخيبة أمل من المنتج عندما انخفض الطلب.

كانت الأوشحة الحريرية غير مفضلة خلال التسعينيات ، وتوافد الناس على شراء الإكسسوارات التي كانت مبتكرة وملفتة للنظر. لم يعد هذا الإكسسوار الأنيق والعصري العنصر الضروري في خزانة ملابس المرأة وسرعان ما اختفى من دائرة الضوء.

إعادة اكتشاف التصاميم الكلاسيكية وإعادة رسمها

ومع ذلك ، ازدهرت التكنولوجيا والنقل في هذا العقد ، مما جعل السفر أسهل وأكثر سهولة بالنسبة لغالبية السكان. كما انفتح العالم كذلك فعلت صناعة الأزياء. استلهم المصممون من جميع أنحاء العالم وأعادوا اكتشاف كنوز الماضي.

شالات الباشمينا التي كان يرتديها السيدات الأكثر ثراءً وذات العلاقات الجيدة تم إعادة تصورها وتحويلها إلى ضروريات الحياة اليومية للمرأة في العصر الحديث. إعادة اكتشاف الصفات الحسية لصوف الكشمير يعني أن هذه الأوشحة كانت موضع إعجاب لراحتها وعمليتها على التصميم.

أوشحة من الكشمير

ارتفعت شعبية الأوشحة الكشميرية والباشمينا ، لأنها كانت ناعمة ودافئة وفاخرة بلا شك. كانت تعتبر غريبة ونادرة حيث تم نسج الكشمير من ماعز الكشمير التي تعيش في المناطق الجبلية في كشمير بالهند. اجتذب تفردهم عددًا كبيرًا من المتابعين الذين انجذبوا إلى قوامه الناعم الناعم.

في الواقع ، يُترجم اسم "الباشمينا" إلى "الذهب الناعم" في اللغة الكشميرية. تقليديا ، يتم تربية الماعز من قبل قبائل بدوية تسكن مناطق على ارتفاعات عالية جدا حيث تنخفض درجات الحرارة إلى -40 درجة مئوية في الشتاء. لهذا السبب ، ينمو ماعز الكشمير طبقة سميكة تحتية لإبقائها دافئة. مع ارتفاع درجات الحرارة في الربيع ، يتم إلقاء هذا المعطف وهذا هو المكان الذي يتم فيه جمع الصوف المستخدم في صنع الباشمينا.

تُباع العديد من الأوشحة على أنها شالات الباشمينا في الأسواق السياحية حول العالم ، ولكن هناك حيلة سهلة لاختبار ما إذا كان الوشاح مصنوعًا من صوف الباشمينا الحقيقي. إذا كان الوشاح بأكمله يمر عبر حلقة بقطر 1.3 سم ، فيمكنك التأكد من أنه الباشمينا الأصلي.

أصبحت هذه الأوشحة شائعة في التسعينيات حيث يمكن ارتداؤها كشال ملفوف حول الكتفين. عندما أصبحت الموضة أكثر جرأة ، أصبحت العديد من أنماط الملابس بلا أكمام أو بدون حمالات. سمحت الشالات للنساء بارتداء هذه الأنماط العصرية ولكن أيضًا حماية تواضعهن من خلال تغطية الأذرع والصدور العارية.

تكييف الأنماط مع الحياة العصرية

في الآونة الأخيرة ، شهدنا تحولًا نحو استخدامات أخرى للأوشحة ، وأنماط جديدة تتطلب إكسسوارات تتكيف مع حياتنا السريعة. يجب أن تكون هذه العناصر مرنة ومواكبة للمتطلبات المتغيرة باستمرار لصناعة الأزياء.

أعادت هيرميس ابتكار الوشاح من خلال وشاحها "Twilly" من هيرميس ، وهو وشاح طويل يشبه الشريط الذي سمي على اسم نمط النسيج "التويل" المستخدم في صناعة الستارة الرائعة. تبدو أنيقة عند لفها حول مقابض حقيبة اليد ، مما يضفي لمسة شخصية بالإضافة إلى حماية الحقيبة. يمكن أيضًا لف هذه الأوشحة حول الرسغين لصنع أساور أنيقة ومميزة.

نظرًا لأن Twilly صغير ، يمكن استخدامه كعصابة رأس أو استخدامه كشريط مربوط حول قبعة. يمكن استخدامه أيضًا كربطة شعر أو مضفر في ضفائر لإضافة تلميحات من اللون والنمط إلى الشعر. في الآونة الأخيرة ، رأينا هذه الأوشحة تستخدم كأحزمة إما بمفردها أو ملفوفة حول حزام ثم يتم تثبيتها حول الخصر.

إن الطرق المتعددة التي يمكن من خلالها دمج وشاح "Twilly" في خزانة ملابس المرأة العصرية جعله أحد أكثر تصاميم Hermès نجاحًا. وشاح Twilly هو تحديث حديث حقًا للوشاح الحريري الكلاسيكي.

الاتجاهات الحديثة

إذا نظرنا إلى أحدث صيحات عروض الأزياء ، يمكننا أن نرى العديد من الإيماءات إلى المظهر الخالد للوشاح الحريري بالإضافة إلى الأنماط الجديدة المنعشة. أرسلت ستيلا مكارتني عارضات الأزياء على منصة عرض أزياء AW17 بارتداء الحجاب الذي يذكرنا بالملكة في رحلاتها إلى ملاذها الريفي في اسكتلندا.

اختارت Prada أوشحة منسوجة مكتنزة ملفوفة بإحكام مثل المختنق لتباين الملابس الأنيقة والمفصلة. نرى المزيد والمزيد من المدارج مليئة بالعصابات الحريرية وعصابات الرأس التي تحلب التألق والجوهر ولكنها لا تزال قابلة للتكيف مع الأجيال الأكبر سنا والشباب.

لطالما وجدت العمائم في اللباس الديني فقط لقرون عديدة كرمز للاحترام والمكانة الاجتماعية بين الرجال. ومع ذلك ، منذ أن عرضت برادا عمامات لامعة بألوان قوس قزح على المدرج في عام 2007 ، أصبحت الآن طبيعة ثانية للعديد من النساء للف وشاحًا حريريًا حول شعرهن ثم لفه بعمامة.

افكار اخيرة

من غير المرجح أن تنتهي علاقة حبنا مع الأوشحة في أي وقت قريب. نحن مفتونون بأشكالهم المتعددة ويبدو أن الاحتمالات لا حصر لها عندما يتعلق الأمر بالنمط والطباعة. من تصميم الأزهار المتفتحة إلى الباشمينا المنسوجة المتسامحة ، فإنها تتحول مع كل موسم وتتطور علاقتنا مع هذه الأوشحة لأنها بالإضافة إلى كونها إكسسوار أزياء محبوب للغاية ، فإنها توفر أيضًا الراحة والحماية والتواضع. سواء كان المرء يرتدي حجابًا عصريًا كإشارة للموضة أو كحزام أو ربطة معصم أو إكسسوار حقيبة يد ، فسيظل دائمًا في خزانة كل امرأة.


جمال ورعب ميدوسا ، رمز دائم لقوة المرأة

قطب عربة برأس ميدوسا (تفصيلي) (روماني ، إمبراطوري ، القرنين الأول والثاني بعد الميلاد) ، برونز ، فضي ، ونحاس ، ارتفاع: 7 1/4 بوصات ، عرض: 7 بوصات قطر: 4 1/4 بوصات ( بإذن من متحف متروبوليتان للفنون ، صندوق نيويورك روجرز ، 1918)

تُظهِر الصور الأولى لميدوسا جزءًا بشعًا بشريًا ، وجزءًا آخر من مخلوق حيواني له أجنحة وأنياب شبيهة بالخنازير. بحلول القرن الخامس قبل الميلاد ، بدأ هذا الرقم المأخوذ من الأسطورة اليونانية يتحول إلى فتاة مغرية ، تشكلت من خلال إضفاء المثالية على الجسد في الفن اليوناني. أصبح شعرها المتلألئ من الثعابين تجعيدًا برية ، مع ربما اثنين من الثعابين تحت ذقنها للتلميح إلى أصولها الأكثر وحشية.

اليوم ، تحمل ميدوسا ، بشعرها الأفعى ونظرها الذي يحول الناس إلى حجر ، كشخصية رمزية للجمال القاتل ، أو صورة جاهزة لتركيب وجه امرأة مكروهة في السلطة. في كثير من الأحيان ، تم تصويرها على أنها رأس مقطوع - صورة لها اسمها الخاص ، Gorgoneion - منحوتة أو مرسومة أو منحوتة ومرفوعة بواسطة قاتلها Perseus.

شجر برونزي (واقي قصبة) للساق اليسرى برأس ميدوسا (يوناني ، القرن الرابع قبل الميلاد) ، برونز ، عرض: 4 7/8 طول: 15 3/4 بوصة (بإذن من متحف متروبوليتان للفنون ، هدية السيد والسيدة جوناثان ب. روزين ، 1991)

الجمال الخطير: ميدوسا في الفن الكلاسيكي الآن في متحف متروبوليتان للفنون يعتمد على حوالي 60 عملاً من مجموعات متحف مانهاتن لاستكشاف تحول ميدوسا وغيرها من المخلوقات الهجينة الأنثوية الكلاسيكية ، من أبو الهول إلى صفارات الإنذار إلى سيلا ، وهو مخلوق بحري يأكل البحارة مع اثني عشر قدمًا وستة أعناق. يظهر في هوميروس ملحمة. على حامل من الطين 570 قبل الميلاد ، كانت ميدوسا بشعة بشكل هزلي ، وذات لحية كاملة ، وتخرج لسانها بين أنيابين. وفي الوقت نفسه ، فإن تناوب أزياء فيرساتشي في التسعينيات يقدم ميدوسا كشعار فاخر حديث.

كتبت كيكي كاروغلو ، أمينة مساعدة في قسم الفن اليوناني والروماني ومنظم الجمال الخطير، في عدد من مجلة Met الفصلية نشرة على البرنامج. "الجمال ، مثل البشاعة ، الآسرة ، وجمال الأنثى على وجه الخصوص كان يُنظر إليه - وإلى حد ما ، لا يزال يُنظر إليه - على أنه ساحر وخطير ، أو حتى قاتل."

تغيرت قصة ميدوسا بمرور الوقت مع محياها. في الأساطير اليونانية ، هي واحدة من أخوات جورجون (مشتقة من اليونانية جورجوس لـ "المخيفة") ، وتستخدم Perseus درعًا برونزيًا عاكسًا لهزيمتها. ثم استخدم رأسها ووهجها الحجري كسلاح ، وهي أداة أعطاها لاحقًا للإلهة أثينا التي كانت ترتديها على درعها. في إصدار لاحق ، كما روى الشاعر الروماني أوفيد ، ميدوسا هي امرأة إنسانية جميلة ، تحولت إلى وحش من قبل أثينا كعقاب لها بعد أن اغتصبها بوسيدون (ويل للنساء في الأساطير). تعتبر حاوية الشكل الأحمر على شكل بيضة من 450-440 قبل الميلاد من بين أقدم صور ميدوسا على أنها عذراء بريئة ، مع زحف بيرسيوس على جورجون النائم. كانت الفترة الكلاسيكية للفن اليوناني - من 480 إلى 323 قبل الميلاد - مرتبطة أيضًا بالجمال بالخطر عندما أصبحت ميدوسا وصفارات الإنذار وأبو الهول وسيلا أكثر سخونة قليلاً ، وفقدت بعض المقاييس والأجنحة لأن أجسادهم كانت أكثر وأكثر إنسانية.

عرض التثبيت من الجمال الخطير: ميدوسا في الفن الكلاسيكي في متحف متروبوليتان للفنون (صورة لمؤلف كتاب Hyperallergic)

تيراكوتا بيليك (جرة) مع فرساوس يقطع رأس ميدوسا النائم ، المنسوب إلى بوليغنوثوس (اليونانية ، 450-440 قبل الميلاد) ، الطين ، الارتفاع: 18 13/16 بوصة ، القطر: 13 1/2 بوصة (بإذن من متحف المتروبوليتان للفنون ، روجرز الصندوق ، 1945)

أشارت مادلين جلينون في مقال نُشر عام 2017 عن "ميدوسا في الفن اليوناني القديم" لـ Met أن "الصور الكلاسيكية والهيلينستية لميدوسا أكثر إنسانية ، لكنها تحتفظ بإحساس المجهول من خلال تفاصيل خارقة للطبيعة مثل الأجنحة والثعابين. قد تكون هذه الصور اللاحقة قد فقدت الفم والأسنان الحادة واللحية ، لكنها تحافظ على الجودة الأكثر لفتًا للانتباه في Gorgon: النظرة الخارجية الثاقبة وغير المترددة. "

في نهاية قطب عربة من القرنين الأول والثاني في روما ، كانت ميدوسا ملائكية تقريبًا بشعرها المتدفق (وزوج من الثعابين يطلان من خلال خصلات شعرها) ، ومع ذلك فإن عينيها الثاقبتين من الفضة المرصعة تتذكر نظرتها المرعبة. على الجرار الجنائزية أو الدروع ، كانت تعويذة حماية ، تلك العيون رمزيًا تمنع الشر. حتى في القرن التاسع عشر ، مع استمرار الرومانسية ، لم تغمض عيناها. يُظهر قالب جبس يعود إلى أوائل القرن التاسع عشر من استوديو أنطونيو كانوفا التحضير للتمثال الرخامي الذي يترأس الآن ساحة النحت الأوروبية في Met. في ذلك ، يظهر فرساوس عارية بفخر رأس جورجون الميت بيد واحدة ، ممسكًا ببعض الشعر الذي يتلوى ببعض الثعابين الدقيقة. تعبيرها هو عبارة عن حزن متفاجئ ، لكنه غير متقطع.

استوديو أنطونيو كانوفا ، "رأس ميدوسا" (روما ، 1806-07) ، مصبوب من الجبس بقضيب معدني حديث (مهداة من متحف متروبوليتان للفنون ، صندوق فليتشر ، 1967)

الجمال الخطير يمزج بجرأة الأشياء عبر القرون في المعرض المضغوط. في حين أن الأقفال الحمراء البرية للطباعة الحجرية لإدوارد مونش عام 1902 "الخطيئة (المرأة ذات الشعر الأحمر والعيون الخضراء)" أو "ليدي ليليث" لدانتي غابرييل روسيتي (1867) مع موضوع Pre-Raphaelite الذي يمشط شعرها الطويل ، هي أكثر من تمتد في السرد ، فهي تعزز التصوير الفني المستمر للمرأة على أنها خطرة من خلال مظهرها أو قوتها. في كتابها لعام 2017 المرأة والقوة: بيان، تستكشف الكاتبة الكلاسيكية ماري بيرد كيف تُستخدم صورة ميدوسا في تشويه النساء في السياسة المعاصرة ، من أنجيلا ميركل إلى هيلاري كلينتون (مع ترامب مثل فرساوس في مظهر شعبي). "كانت هناك جميع أنواع المحاولات النسوية المعروفة على مدار الخمسين عامًا الماضية أو أكثر لاستعادة ميدوسا لقوة المرأة (كادت عبارة" اضحك مع ميدوسا "، كما وصفها عنوان إحدى مجموعات المقالات الحديثة) - ناهيك عن استخدامها كشعار فيرساتشي - لكنه لم يحدث فرقًا طفيفًا في الطريقة التي استخدمت بها في الهجمات على السياسيات "، يكتب بيرد.

المشهد الصوتي في المعرض الذي ألفه أوستن فيشر (والذي يمكنك سماعه أيضًا على موقع Met) يتسم بالهدوء والتنافر بالتناوب ، مما يعكس كيفية سحب ميدوسا ذهابًا وإيابًا بين هذه الأشكال التي تبدو متعارضة. تبدأ قصتها دائمًا في هذه الأشياء عندما تكون قوتها ممسوسة ، ورأسها مقطوع وتحويله إلى سلاح ، سواء كانت فتاة في محنة أو وحش. بالعودة إلى تلك الصور المبكرة المذهلة لميدوسا ، بأسنانها المكشوفة وشعر الثعبان المخيف ، هناك سرد هنا حول كيف كان تحويلها إلى شيء لطيف مزخرف مستوى آخر من السيطرة. بغض النظر عن شكلها - أو قطع رأسها - لا يتم تجنب نظرها أبدًا ، حيث تنظر مباشرة إلى المشاهد كتأكيد على قوتها المرعبة التي لا يمكن للجمال أن يفسدها تمامًا.

عرض التثبيت من الجمال الخطير: ميدوسا في الفن الكلاسيكي في متحف متروبوليتان للفنون (صورة لمؤلف كتاب Hyperallergic)

عرض التثبيت من الجمال الخطير: ميدوسا في الفن الكلاسيكي في متحف متروبوليتان للفنون (صورة لمؤلف كتاب Hyperallergic)

مزهرية تراكوتا ذات مقبضين على شكل قمع برأس ميدوسا (يوناني ، جنوب إيطالي ، أبوليان ، كانوزان ، أوائل الهلنستية ، أواخر القرن الرابع وأوائل القرن الثالث قبل الميلاد) ، الطين ، الارتفاع: 30 3/4 بوصة قطر: 17 5/16 بوصة (بإذن من متحف متروبوليتان للفنون ، صندوق روجرز ، 1906)

عرض التثبيت من الجمال الخطير: ميدوسا في الفن الكلاسيكي في متحف متروبوليتان للفنون (صورة لمؤلف كتاب Hyperallergic)

الجمال الخطير: ميدوسا في الفن الكلاسيكي يستمر حتى 6 يناير 2019 في متحف متروبوليتان للفنون (1000 فيفث أفينيو ، أبر إيست سايد ، مانهاتن).


تمثال صغير أنيق من الطين اليوناني القديم للكاهنة الشابة أو كوريه العتيق (مجموعة J. Altounian السابقة) - 15 × 4.3 × 3.9 سم

STATUETTE من JOUNG الكهنة أو القديمة KORE اليونان
تمثال صغير أنيق من الطين لامرأة شابة. يسقط شعرها الطويل ، المخفي جزئياً بواسطة حجاب يغطي رأسها ، على كتفيها.
إنها ممثلة من الأمام ، ورأسها مستقيم. لديها وجه جاد ، وعيناها تحدقان بهدوء ، وشفاهها بابتسامة قديمة.
تلبس لها ثنايا تنحدر ثناياها العريضة إلى القدمين. إنه مفتوح على الصدر ، ويكشف عن ثدييها العاريتين.
في يدها اليسرى تحمل قربانا (ربما زهرة أو طائر)
الخطوط جيدة ، منقوشة بالارتياح. التفاصيل مثالية.
Magna Graecia ، غرب البحر الأبيض المتوسط ​​، ربما تارانتو
الارتفاع 15 سم (17.3 مع القاعدة) - برتقالي بيج تراكوتا. في حالة محفوظة تمامًا - لا يوجد ترميمات

معلومات عن الأصل:
تم الاستحواذ عليها في 30 أكتوبر 2019 في فرنسا من: CM. المزاد رقم 102
الأصل: مجموعة شهيرة - جوزيف ألتونيان (1890-1954) - مرت بين يديه العديد من الأعمال الموجودة الآن في أعظم متاحف العالم.

يمكن للبائع إثبات أن القرعة تم الحصول عليها بشكل قانوني ، حيث اطلعت شركة Catawiki على بيان المصدر.
معلومات مهمة: يضمن البائع السماح له ببيع / تصدير هذه السلعة.
سيضمن البائع الحصول على التراخيص اللازمة ، مثل رخصة التصدير (جواز سفر للعنصر الثقافي).
سيبلغ البائع المشتري في الوقت المناسب ، إذا استغرق ذلك أكثر من بضعة أيام.


في فرنسا ، مناظرات حول الحجاب تخفي تاريخاً طويلاً

يتراجع المعرض عن هوس البلاد بملابس النساء المسلمات للنظر في الاستخدامات العديدة لأغطية الرأس عبر التاريخ.

بورج إن بريسي ، فرنسا - منذ ما يقرب من 500 عام ، في 1518 أو 1519 ، جلس الفنان الفلمنكي برنارد فان أورلي لرسم صورة لمارجريت من النمسا ، إحدى أقوى النساء في عصر النهضة في أوروبا. في سن الثالثة ، كانت ملكة فرنسا. في السابعة والعشرين من عمرها ، أصبحت وصية على هولندا ، ورسم فان أورلي مارجريت على أنها سياسية قوية ومؤلفة في صورة يمكن نسخها في جميع أنحاء أوروبا.

شفتيها مربوطتان. يداها متوازنتان ، مسبحة بين إصبعين. إنها تحدق كأنها تحلل شيئًا. على رأسها ، تأطير وجه مصقول مثل الخزف ، هو جبان أبيض مرن. وهو ينطلق من تاج رأسها ويحيط أذنيها ورقبتها ويعبر عن إخلاصها لزوجها الراحل ، والأكثر من ذلك ، مطالبتها بسلطته السياسية. كل صحة حكمها يكمن في ذلك الحجاب. إنها تقوى وهي قوة.

دفنت مارغريت في Monastère de Brou ، وهو ضريح فخم أمرت ببنائه هنا في Bourg-en-Bresse ، على بعد حوالي 280 ميلاً جنوب شرق باريس. ومثالها بمثابة حافز لمعرض لامع ومتنوع هناك يأخذ نظرة واسعة للغاية على واحدة من أكثر الخلافات ديمومة ومثبطة للهمة في المجتمع الفرنسي المعاصر.

المسلسل ، "محجبات ومكشوفات" ، يتراجع عن هوس فرنسا المعاصر بملابس النساء المسلمات للنظر في الاستخدامات العديدة لأغطية الرأس في الحياة العامة والخاصة. مع أكثر من 100 عمل فني ، من العصور القديمة الكلاسيكية إلى الوقت الحاضر ، فإنه يكشف كيف يمكن للحجاب أن يخدم أغراضًا متناقضة وأحيانًا متناقضة ، سواء للحزن أو للإغواء ، أو لحماية جسد المرء أو للدلالة على ولاءات المرء.

صورة

يمكن أن يكون الحجاب دينيًا أو علمانيًا ، وهو علامة على الهيمنة الأبوية أو التمييز الفردي. قبل كل شيء ، يصر المسلسل على أن الحجاب ليس على الإطلاق توغلًا "أجنبيًا" في أوروبا ، وهو خطأ ارتكبه كل من الكتاب الجادين مثل ميشيل ويلبيك ومجموعة متنوعة من الشعبويين والمتطرفين والعنصريين. إنه منتشر في كل مكان في الفن والأدب في أوروبا ومنطقة البحر الأبيض المتوسط ​​- وإعادة اكتشاف مكانته في العصور القديمة وفي جميع الديانات الغربية الرئيسية الثلاثة قد يزيل القليل من الكبريت من تثبيت هذا البلد على الحجاب.

منذ عام 1905 ، كانت فرنسا دولة علمانية رسميًا ، وتمنع جميع الموظفين العموميين من ارتداء علامات التدين الخارجية. لكن الحجاب على وجه الخصوص مارسته فرنسا بشكل خاص منذ عام 1989 ، عندما مُنع ثلاثة أطفال من الالتحاق بالمدرسة الإعدادية بعد رفضهم خلع حجابهم ، مما أدى إلى شهور من الجدل العام المؤلم والذي غالبًا ما يكون هستيريًا.

كانت هذه أول "شؤون حجاب" لا حصر لها ، وفي هذا القرن أصدرت الحكومات الفرنسية المتعاقبة قانونين: أحدهما من عام 2004 يحظر الحجاب (بالإضافة إلى القلنسوة والصلبان الكبيرة) في المدارس ، وآخر في عام 2010 يحظر الوجه الكامل أغطية مثل النقاب في جميع الأماكن العامة. ويستمر المهووسون في القدوم مؤخرًا خلال موجة الحر في فرنسا هذا الأسبوع. بعد أن تحدت مجموعة من النساء الحظر الذي فرضته المدينة على ملابس السباحة "البوركيني" ذات القلنسوة في مسبح المجتمع ، قال وزير المساواة في الحكومة إن البوركيني يرسل "رسالة سياسية تقول ،" غطِ نفسك ".

لكن قبل فترة طويلة من كونه عقائديًا ، كان الحجاب لباسًا عاديًا. أحد أقدم الأشياء وأكثرها هشاشة في "محجبات ومكشوفات" هو تمثال صغير من الطين من قبرص صنع في نهاية القرن الرابع قبل الميلاد ، على سبيل الإعارة من متحف اللوفر ، يصور امرأة شابة تعصف بها الرياح محاطة بهيماتيون: طويلة عباءة ملفوفة على الكتف ، وفي هذه الحالة ملفوفة فوق الرأس ضد البرد. أصبح الحجاب علامة تمييز للنساء اليونانيات والرومانيات المتزوجات (تم الكشف عن العذارى) ولقرون بعد ذلك ، استخدمته النساء ، بل والرجال بالفعل ، كإكسسوار علماني. قد ترتدي نساء البندقية ، مثل تلك التي رسمها جيوفاني ديفيد في عام 1775 ، الزندال ، وهو حجاب أسود بغطاء مهدب للوجه. ارتدت النساء الفيكتوريات الحجاب لحماية وجوههن من أشعة الشمس ، وهو ما يستحضره هذا العرض بشكل مفارقة من خلال صورة مغرية لكيت بلانشيت في فيلم "الزوج المثالي".

تذكر التوراة الحجاب بشكل مقتصد ، لكن هذا العرض يتضمن عدة لوحات لليهود بشعر مغطى ، من بينها لوحة عام 1885 للمستشرق أندريه برويه ، تصور ثلاث نساء سفارديم مع لفات بيضاء شفافة فوق عباءاتهن الملونة. في القرآن أيضًا ، الإشارات إلى الحجاب قليلة.

لكن القديس بولس ، في الرسائل ، يدعو صراحة النساء - والنساء فقط - إلى تغطية رؤوسهن عند الصلاة ، لئلا يجربن الجنس الآخر. لا يولي هذا العرض سوى القليل من الاهتمام للمسيحية الحديثة في العصور الوسطى والمبكرة ، لكنه يقترح كيف يمكن للمرأة الأوروبية أن تستخدم الحجاب كتعبير عن الفخامة أو كأداة للإغواء. في صورة 1802 لماري دينيس فيلرز ، وهي طالبة موهوبة لجاك لويس ديفيد ، تغطي امرأة شابة مغنطة رأسها بحجاب أسود شفاف كان ذروة الموضة - لكنها عازمة على ارتداء حذائها وتحتها الحجاب يكمن كبير في الرقبة.

كل هذه الأسس التاريخية تخدم العرض جيدًا لأنها تنتقل إلى العصر الاستعماري ونحو الإسلام. اهتم الرسامون الفرنسيون (ذكور) ، الذين تعلموا أساسيات تصوير الأقمشة في الأكاديمية ، بشكل خاص بالحجاب عندما اغتسلوا في الجزائر أو المغرب أو بلاد الشام. وسرعان ما أصبح الحجاب فاسقًا ، ورأى العديد من الرجال أن الحجاب دعوة لخلع ملابسه. لوحة فظيعة لكنها مقنعة للرسام المستشرق ليوبولد دي موليجنون ، منذ عام 1860 ، تظهر متسول جزائري (متخيل على الأرجح) راكعًا في الشارع ، يرسم حجابًا رماديًا أخضر على جانب وجهها - ويحمل صدرها الواسع لرضاعتها. طفل.

"محجبات وغير محجبات" هو عرض مجتهد. إنها درجة حرارة منخفضة عن عمد. إنه يتعامل بشكل خفيف بشكل خاص في القرن العشرين ، ولا يضغط بشدة على الاضطرابات القومية والدينية الأخيرة في العالم الإسلامي. It also ducks the sometimes vitriolic disagreements among feminists as to whether the veil can only be patriarchal, and whether Western beauty standards offer any true liberation.

A 1957 photograph by Marc Riboud, in which glamorous bareheaded Tunisians line up to kiss the independence leader Habib Bourguiba, reminds us of the millions of Muslim women who reject the veil. Shirin Neshat, who photographed Iranian women wearing shapeless black chadors against the backdrop of a fantastical garden, is the one saving grace amid more or less terrible contemporary art.

But pulling back like this can help offer some better tools than the blunt ones that shape French debates over the veil, especially the spurious opposition of secular universalism and pluralist tolerance. The question is not whether France, and Europe, should or should not tolerate a garment that stands apart from “European” values. The question is how to build a society that sees its local and colonial histories as coextensive, that ties its national story to lives and cultures rooted beyond its borders — and that can understand both the veil and the refusal to wear one as already French in their own ways.


Khotan Terracotta Woman with Long Hair - History

The Olmecs, a Negroid Afrikan race, were highly talented sculptors and artists who were best known for their cave paintings and carved colossal stonework. The Olmec was the first great ancient Mesoamerican civilization that flourished along Mexico's gulf coast region. Ancient Mexican wall paintings clearly depicted these "Negroid" rulers as Afrikan.

The Olmecs were Moors from the Dogon tribe in Mali, Afrika, who migrated over the Bering Strait as early as 100,000 years ago to America, which they called Utla in their Cushite language. This migration included Pygmies, Negroes and Black Australoids similar to the indigenous Black people of Australia, parts of Asia and India. The Mayans were the descendants of these Malian Moors who were referred to as Black Mexicans أو Quetzacoatl.

When the Dogons migrated to America, they also brought the rubber tree with them which is native only to Afrika. The Dogons utilized the sap from the rubber tree to make shoes and coats, being the first to introduce soles on shoes to the new world. The term Olmec means Rubber People.

The Olmecs established empires and cities predating the Inca, Aztecs and Mayans, and were also known as the Mound Builders, who constructed those great pyramids throughout South America, Peru, Canada, Alaska, and Georgia, spreading all over North America along the Mississippi River.

The step pyramids in the Americas closely match the step pyramids of the Egyptians. Also, the Double Crown which symbolizes the king’s rule over Upper and Lower Egypt with a cobra representing Lower Egypt and a vulture representing Upper Egypt (right) is also found in Olmec culture, symbolizing Northern and Southern America.

Furthermore, in Mexico, a type of paper made from a particular kind of wood pulp was discovered which scientists confirmed is only found in Egypt. Even the ceremonial dance of the Hopi Indians is identical to the Dogon’s Bado Dance of Afrika which have the same حرف او رمز و spirit names.

Various tribes like the Apache use the Crescent Moon symbol (left) which is the national emblem of Angola, Mauritania, Tanzania, Algeria, and the Sahara, all located on the continent of Afrika.

These Olmecs migrated to North America from Mexico as the Washitaw, Yammasee و ال Ben-Isma-EL tribes, a collection of what is known as the Lenape, Wapanoag, and Nanticoke Indians, who later migrated to Indiana and Illinois identifying themselves as Moors, but the United States Government classified them as "Negroes" in order to strip them of their Indigenous rights.

The back of the Olmec head below (left) shows an Ethiopian braided hair style with an Afrikan man next to it wearing a similarly braided hair style. This provides a powerful statement in support of these heads being Afrikan in nature, but there are some detractors who argue that other cultures also braided their hair in a similar fashion, therefore, the hair braids do not prove any Afrikan ancestry since they could be from any other non-Afrikan group of people.

However, when these images are combined with the Olmec head displaying an afro hair cut next to the Afrikan men with identical afro hair styles, in conjunction with with the facial features and structure of the Afrikan woman next to the same statue below, there can be no denying that these heads are definitely Afrikan in nature.

On unearthing one of the monolith heads in the San Andreas area, a Mexican explorer who found the first Olmec head in 1862, Jose Maria Y Serrano, announced the finding in the 1869 publication of the Seminario Ilustrado.

“As a work of art, it is without exaggeration, a magnificent sculpture, but what most amazed me was that the type it represents is Ethiopian-Afrikan. I concluded that undoubtedly there had been Blacks – Negroids in this region, and from the very earliest ages of the world.”

Skeletons have also been unearthed in the valley of the Pecos River that flows through Texas and New Mexico and empties into the Rio Grande at the Gulf of Mexico.

Professor Hooton, an anthropologist, came to the conclusion that “The Pecos skull resembles most closely the cranial of Negro groups coming from Afrika, where Negroes commonly have some perceptible infusion of Hamitic blood.”

الكلمة Ham translates as أسود in Biblical Aramaic.

Later in 1939, Dr. Matthew Sterling led a joint team from the National Geographic Society into the Gulf of Mexico to supervise an extensive excavation project in Vera Cruz to unearth other monolith heads. After viewing the heads, Sterling came to the conclusion that "The features are bold and amazingly Negroid in character".

Other recent discoveries in the area of linguistics have shown that the Afro-Olmecs of Mexico also known as the Xi (pronounced she) people, were west Afrikans of the Mende indigenous group. Decoded inscriptions discovered on these ancient Olmec monuments in Mexico show that the language used in the script by the ancient Olmecs is identical to the language used by the ancient and modern Mende-speaking west Afrikans.

This Afrikan script, which came right out of the Egyptian language, was carved into some of the material associated with the stone head. These hieroglyphic writings were discovered in areas such as Davenport و ايوا, and were there long before any explorers or settlers arrived. This discovery points to the likely contact between the Afrikans and the Americas.

Migrating from West Afrika to Mexico and the Southern United States may have started about 5,000 B.C., a conclusion centered around the discovery of some native Afrikan cotton unearthed in North America.

Archeologist also concluded that the Olmecs who chiseled and carved these monoliths were outright masters of accurate portrayals, and did not arrive at the distinctive Negroid features accidentally, as it distinguishes them from the features and characteristics of every other race on earth.

Even the culture and religion practiced today by the Native Americans consist of the early non-theological beliefs of the Malian Moors of Afrika, the Olmecs, (Mound Builders) and the Aztecs of Mexico.

However, only a few Indian tribes today will admit to their Afrikan ancestry like the Hopis, Apache, Aztec, Zuni, Nez Perce, Miami, Blackfoot, Catawba, and Seminole, who have retained some knowledge of their Afrikan origins.

The terracotta head on the left with an Afrikan-style turban is Olmec, but notice the distinct characteristic keloid tattoos located below the lips and on the moustache. This is also found among the Afrikans.

The head on the right is Mayan, but notice the clear Negroid appearance of the face, broad, thick lips and flat nose, even though they were deliberately chiselled out to deface and conceal this fact.


NATIVE BLACK AMERICAN INDIANS

[1 st image]: Native American. [2 nd image]: Navajo Squaw - Red Stocking. [3 rd image:] Native Indians wearing Dread Locks

The picture on the left shows a present-day inhabitant of the Afro-Darienite Indians who are one hundred percent Black Afrikan, and located in the thick jungles of Panama and Colombia. They were among the many Blacks who lived in the Americas long before Columbus arrived, and were the builders of the so-called mysterious civilizations which some archaeologists pretend they do not know who the builders were. The picture on the right shows a Black Californian native with bow and arrow, at the time when California was ruled by a Black Amazon Queen with several female warriors bedecked in gold.
These pictures demonstrate that Blacks were in the south west and California which was named after a Black queen, and was once owned by Blacks long before the Spaniards arrived on those shores.

California is referred to as The Afrikan State by those who know its history, since it was the first state used as a base by ancient Afrikans from China, Melanesia, East Afrika and Nubia-Egypt during prehistoric times. One of the important migrations of Black Afrikans to Mexico included people who were described as dwarfs called Magicians, and were involved in religious shamanistic practices that are still common in West Afrika.

This statuette of an Oni holds shamanistic articles which are identical to those shown on stone carvings found in Colombia - South America, one of the ancient homelands of existing Black civilizations before the arrival of Columbus.

The Olmec Shamans recognized the Venus Complex which the Ono of West Afrika still continue to recognize even today, while the Dogons of Mali recognize the Sirius Star and the Bambara Systems.

The ancient Shamans of West Afrika also used the axe as a prop in the worship of the Thunder God Shango, which the present worshippers of Shango in the Caribbean, Brazil, the U.S., west Afrika, and the Yoruba settled areas still use today.
The Olmec Shamans revolutionized religion in Mexico around 800 B.C. to 600 B.C.


On the right is a terracotta head of an ancient Afrikan woman from Cameroon, West Afrika. Again notice the keloid tattoos above the eyebrows, a feature found among the Shilluk of East Afrika and on Olmec terracotta faces.

To the left نكون Woodabi women from West Afrika. One of the "mysteries" concerning Woodabi costumes is that they look similar to those worn by the Maya Indians of Guatemala. Both the Maya of Guatemala and the Woodabi wear cloth padding on their heads arranged in identical fashion, and the patterns of weaves are also the same.

Below is an old 1525 map of the northern coast of South America, the Caribbean, and the south eastern region of the United States, showing Afrikans farming and hunting with the bow and arrow.


It shows what may be one of the pre-Columbian Afrikan communities of South America which the Spaniards would have come across during the time of Balboa and Peter Matyr. Furthermore, the descendants of these Afrikans, the Caracoles, Guanini, Black Caribs, Califunami و Choco, still live along the coastal regions of South America, Central America and sections of the Caribbean islands.

This map is one of the few publicized ones which shows Afrikans belonging to groups and occupying the Americas long before the arrival of Columbus. On the left corner of the map there is a community of Afrikan farmers and a hunter taking aim with a bow and arrow. The other three Afrikans each have hoes and are planting. Note the Latin words Mundus Novus at the bottom of the sketch which mean New World.

NATIVE BLACK AMERICAN INDIANS

[1 st image] : Powhatan Indians - Virginia. [2 nd image]: Cree men around 1898 [3 rd image]: Pimos Indians, Arizona around 1875

The land in Afrika has been surrendering the earliest remains of early man and his ancestors to the archaeologists and anthropologists, showing that the original man from which all other races sprang, originated in Afrika. Scholars have dug up skeletons as old as 175,000 years, whereas places in Europe, like Italy, England, Russia, and Scandinavia have not yielded any bones older than 20,000 years.

French anthropologist Gerald Massey claims that "the sole race that can be traced among the Aborigines all over the earth, or below it, is the Dark Race of Negrito type".

Note that there were TWO types of Indians The Negroid Phenotype Indian (left), a Crow Tribesman, and The Mongoloid Phenotype Indian (right), a Comanche Tribesman. The media only promoted the latter class, the one which is commonly seen in the movies and books, completely ignoring the Negroid grouping, thus creating the false impression that there was only one category of indians.

On the left is the fake European Montezuma the real Montezuma of the Aztec empire was not a white man but a Black Mexican Moor as represented in the image on the right.

The relationship between Native Americans and Afrikans stretched for thousands of years where Afrikans were engaged in business activities with the Native Americans long before Columbus got lost and ended up in the Caribbean believing that he had reached India. This was possible since at one stage the Afrikan and American continents were joined as seen by the similarity of tropical plants, animals and geographic traits, and the way they fit together like a piece of a puzzle. This may be the reason that several gods of Central America are portrayed as Black with Afrikoid features.


However, when the European came to Central and South America, they enslaved the Native Americans, killing millions of them through slavery, torture, murder and previously unknown diseases.
Columbus, on his return to Spain at the start of the Atlantic slave trade, crammed 1,200 Indian slaves into his three tiny ships, but after running short on labour supply due to the decimation of the Native population, the Europeans began to import Afrikan slaves in order to meet the growing labour demands of their ruthless conquest and plunder. Therefore, Native Americans and Black Afrikans share a common history of massive abuse, genocide and exploitation by the white man.
Native Americans were even called by the same derogatory terms applied to Black people, not to mention the two continents that were stolen from them. Here is an original painting of a Black Mohawk Indian in Moorish attire.


Khotan Terracotta Woman with Long Hair - History

Two Late Han to Jin Bows from Gansu and Khotan
Stephen Selby. Stephen Selby, 2002
(originally published as ATARN Newsletters in April and September 2002)

A desert tomb in Jiayuguan, Gansu, Western China, has recently yielded up a wooden, model bow. Bede Dwyer and Gr zer Csaba, who have both pre-viewed the pictures, consider that this bow is a full-scale model of a horn and sinew bow. The bow is in light-weight wood carved from two pieces. The two pieces unite at a splice at the grip. There is no sinew visible on it, and just a little birch bark remains adhering to the back of the bow.


The bow comes from near Jiayuguan in Gansu, China.
This map is reproduced from the Microsoft Encarta World Atlas in accordance with the
licence conditions concerning use in free flyers not sold in any form or context. Copyright reserved.


The two wooden components, with the grip splice to the right and the tips to the left

Above is a photograph of the two parts of the bow. The main working part of the limb forms a broad plate, bearing a painted design on each.


Side view of one of the siyahs. The tip is broken off about 5cm short of the end on the right.


Dragon painted on one of the limbs (belly side) in black, white, red and ochre.


'Phoenix' painted on one of the limbs (belly side) in black, white, red and ochre.

These dragon and phoenix designs should not be interpreted in terms of modern Chinese symbolism. This bow came from a group of graves dating from the Wei/Eastern Jin period, around 260CE. At that time, the dragon was the 'black dragon' -- a Daoist symbol of the East, while the bird was the 'red bird' -- denoting the South. Both symbols were derived from constellations, and continued in use from the Han dynasty. Such images would allow the soul of the deceased to rest in peace.

The black dragon and red bird from Eastern Jin tomb tiles.


Painted cicada design from the siyah of the bow

The cicada design on the limb also represents a hold-over from the Han Dynasty, representing a return to life for the deceased (because the cicada was thought to return to life in springtime from a dry, lifeless state in the winter.)


Floral design on the side of the grip splice.

The flower on the grip may be 'hai tang' (crab-apple) which rhymed with the word for 'high rank'.


The two splices placed together to form the core of the grip.


Basketwork pattern on the top of the siyah.


Two wood elements joined at the grip splice (vertical view).


Two wood elements joined at the grip splice (side view).


On the back of the main working parts of the limb, there are some remains of blackened birch-bark.


Scraping on the wooden surface of the bow.

Every wooden surface of the bow - whether painted or not - has been scraped transversely in two directions, apparently with the teeth of a saw. I cannot work out why that should be. When wood is scraped so that horn or sinew can be attached, it is usually just scraped in one direction - lengthwise.

The original bow would have had bone reinforcement at the grip, and indeed the pieces that I have shown in previous newsletters would fit well (although they undoubtedly come from different specimens.)


Bow-tip reinforcement (not found with this bow)


Bow grip reinforcement (not found with this bow)

I was interested to see how the bone plates I discussed in the March 2002 newsletter (above) would fit to this bow. The following photographs show how:


Possible placement of the bone reinforcement for the face of the grip.

Two years ago, I reported about the Niya bow that was discovered in 1999. Since the Niya find shared the same late horizon with the Gansu bow - the Eastern Jin period - I was interested to see how they might compare.

First, this is how I would reconstruct the Gansu bow:


Reconstruction of the Gansu bow unstrung, with bone string-nocks and grip-reinforcement.


Reconstruction of the Gansu bow string

And now my reconstruction of the Niya bow for comparison:


Reconstrution of the Niya bow (oblique, viewed from below)

Clearly, there are some striking similarities between the Gansu bow and the Niya bow. The design seems to have been very durable among the borderland people of China, and was probably closely related to the Song and Yuan bow designs in use in these pictures:

This is where the SVG file comes in. I have prepared a dimensioned drawing of the Gansu bow. If you have downloaded Adobe's SVG viewer plug-in, you can look at the bow and the plan in detail.

In fact, in the same group of graves as the one from which this bow came, there was a painted panel showing a scene of hunting with bows on horseback.


Scene of hunting with bows on horseback from the same date and location as the Gansu bow.


Click here for the detailed dimensioned plan of the Gansu bow in SVG file format.

I look forward to reading your views and ideas on ATARNet. Please start a new thread, 'Gansu Bow' under 'hardware'.

While in Xinjiang in May 2002, I was given the opportunity to study a number of bows preserved in Xinjiang's Institute of Archaeology and the museums at Urumqi and Turfan.

I had the chance to study three types of bow, all three of which had at one time or another been buried like mummies in the frozen, dry sands of the Xinjiang deserts. One of the bow groups I studied dated from the very end of the Han Dynasty or into the Wei-Jin period. That is, from around 250-350CE.

On studying this group of three, almost identical bows closely, a couple of points became immediately clear.

The second point is of some importance in itself. Despite reading frequently of 'model bows' placed in graves, the 'Gansu Bow' is only the second certain example I have come across. (The first is a Liao Dynasty wooden model of a bow and box quiver .)

My examination of the three bows in the Museums gave me a chance to glean some data and correct general wrong preconceptions about these bows. However, everything I examined was behind glass and I was not permitted to take photographs (although I could sketch to my heart's content.) Even my measurements had to be estimated (supplemented by earnest attempts by the archaeologists with me to recall actual measurements.) The golden opportunity came, however, when a junk dealer in Xinjiang sold me one half of an original bow (together with one half of the original string and six arrows) that had come from Khotan. So identical was this bow to those I had seen in the museums that I have no hesitation in saying that this 'Khotan bow' provides a basis for a detailed description of the 'Niya Bow' genus.

I have been generously helped by Mr W. F. Lai, Conservator of the Hong Kong Museum of History. He helped with the measurement process and has undertaken the X-ray photography. In a later newsletter, he will provide identification of the wood and other materials used in making the bow. At this point, I'll cut the cackle and let you see photographs of the bow, with my observations.


The half bow, oblique back view in natural lighting. The break is at the 'right-side' grip/limb junction.


Back view. Bone limb reinforcement present on one side only. A triangle of silk adheres to the top of the limb.


X-ray through back of the bow. (Composite of three.)


Close-up of the back of the limb. A piece of adhesive tape lies vertically across it. The top right edge may have been scorched.


Side view of the grip, limb and siyah with surface measurements.


X-ray through grip, limb and siyah


Detail of sinew reinforcement at limb/grip junction and bone plates reinforcing side and belly of grip.
(The profile of the back of the grip is formed with sinew.)


X-ray through the limb/grip junction.


X-ray through grip/limb transition


The belly of the limb, formed of five horn plates over wood. (Adhesive tape across the middle.) Lowest plate is missing.


X-ray through siyah/limb transition from back. Sinew (see picture below) hides additional bone reinforcements .


Detail of siyah/limb transition with sinew reinforcement.


X-ray through siyah/limb transition from side shows up an extension of horn along the belly of the siyah.


The bow viewed from the tip looking towards the grip


Looking from the grip to the siyah


The bone reinforcement to the tip/siyah. I surmise that the extent of the wooden core was originally the same as the bone reinforcement.


This photograph provides clues to the construction of the grip/limb transition.


Cotton thread tied at measured intervals, with contour gauge readings from the back (and belly at D, E.)


X-ray through grip from the back shows splice of limb/grip and interstitial wood insert in the grip.


What remains of the original string.


The loop seems to have been formed like a modern bow string and then wrapped in the skin of a small, furry animal.


Six original self wooden arrows. But the points have all been snapped off before burial.

Length(cm) الأعلى. diameter(cm) دقيقة. Diameter(cm)
80.4 0.995 0.770
74.4 0.910 0.610
60.6 0.910 0.605
76.8 0.910 0.605
75.8 0.910 0.605
61.0 0.895 0.715
78.4 0.905 0.710


Self-wood bulbous nock. Painted, but no sign of reinforcement or inserts.


Here, I use computer magic to repair the bow and supply dimensions. This exercise assumes symmetry around two axes.


More computer magic: ready to shoot!

Archaeological and historical background of the Khotan bows.

A bow of identical design to the one I have just described was excavated at Niya on 11 October 1995. A coffin containing four male mummies and two bows was exhumed unopened and then examined in relatively ideal laboratory conditions in Urumqi in the following months. The description of the contents of the coffin from grave #4 at cemetery #95 at Niya was published in "Xinjiang Wenwu" ('Xinjiang Cultural Relics') Issue No. 2 of 1999, p. 27. There is some further comment in Wang Binghua (with Victor H. Mair), "The Ancient Corpses of Xinjiang", Xinjiang People's Press, 2002. ISBN 7-228-05161-0. Further background information (in Chinese) and illustrations is provided in Liu Wei: "Chinese Civilization in a New Light" Vol. 4. Commercial Press, Hong Kong, 2001. ISBN 962-07-5307-0.

The Niya site corresponds geographically to the location of a culture which occupied the Niya area throughout the Eastern Han and Western Jin periods, around 200-350CE. Situated in the remote desert, Niya was once irrigated by the Niya river, fed by the melting snows of the Kunlun Mountains.

In Chinese literature, the people occupying that region in those times were known as the 'Jingjue' (精絕). The 'Official History of the Han: Record of the Western Regions' (漢書西域傳) records that the Jingjue were one of 36 large and small vassal states in the West of the Empire. 480 households with a total population of over 3,000 people were recorded. Their armed forces amounted to 500 men. The Han government posted four officials there for administrative purposes. An invasion of the region by the Tuguhun in the fifth century caused economic disruption. Water supply to the Niya river was cut of and the desert encroached. (Archaeological surveys by Aurel Stein in the 19th Century and surveys by Chinese and Japanese archaeologists since the 1950s suggest, however, that the area was abandoned over a rather short period, with many valuable items left scattered.) By the time that the Tang monk-explorer Xuanzhang passed the site in the 7th Century, it was already a ruin.

The mummified remains from Cemetery #95 generally display non-Chinese racial characteristics, with light brown or blond hair and high, aquiline noses. Men were around 1.65 meters tall. They lived in a prosperous community which enjoyed the best luxury products from both East and West. Foods preserved in graves show that their diet was mainly mutton, grains and dried fruits (in fact, much the same as present-d ay inhabitants of the region.) Particularly striking (partly because their spectacular state of preservation) are the embroidered cloths in silk and wool that the mummies are buried in. The people were literate. In common with other cultures in the region at that time, they kept civil records in the Kharoşţh-ī -Prakrit script, that originated in Northern India.

Several of the deceased at Niya had died violently. Males were buried together with grave goods which in most cases included a bow, bow-case, quiver and arrows. Bows were clearly standard, emblematic burial items for males. Most of the bows were composite bows such as the one described here but simple wood self bows about 1.5m long were also found. Arrows were self wood barreled and either had blunt wooden points, or else had had metal arrowheads removed before burial. Women were buried with make-up kits and items related to sewing and weaving. Where coffins were placed above previous burials, the previous burials were sometimes burned.

Coffin #4 from cemetery #95 also contained a piece of brocade with a vivid design of mounted archers using bows that were consistent with the design of the bow described here. Another mummy discovered nearby had a brocade bracer on his arm, embroidered with the Chinese text "Five stars appear in the East: the Central States will benefit and the Southern Qiang will be punished." This brocade may be a gift from the Chinese court to minority tribes who helped the Chinese to suppress incursions from the Southern Qiang (Tibetans.)


A piece of brocade with a vivid design of mounted archers using bows consistent with the design of the bow described here.
(B
ased on an illustration in Xinjiang Wenwu" ('Xinjiang Cultural Relics') Issue No. 2 of 1999.)
You may copy and make non-commercial use of this drawing.

Feeling a sense of d ja-vu? Open 'The Traditional Bowyer's Bible', Vol. 3 at page 82. Look at Tim Baker's suggestion for a theoretical design for maximized performance of a composite bow. Someone got around to trying out his design. 1,700 years ago.

In this bow design, the working limbs amount to little more than spring-leaf hinges. From the X-rays, we can see that the bow needed careful reinforcement at the edges of regions where the working sections and non-working sections are spliced. We also see that the central horn plate of the belly extends half-way up the siyah. As far as can be ascertained, the wooden core consists of two pieces of wood, each carved in one piece from the tip to the grip, with a short interstitial piece of wood between them.

While Tim Baker anticipates the short, rectangular working limb, he does not anticipate the spoon-shaped hollowing of the limbs (which is corroborated by the Gansu bow.) Without actually constructing this bow, it is difficult to understand the purpose of such a feature. Personally, I could imagine the hollow-profile limb giving rises to enormous stresses at the edges. What happened in reality?

One element of the design helps to deal with a problem that we observed in the area where these bows were made: there is little prospect of obtaining long sections of good, consistent horn and the principal woods are light and lack hardness and sappiness. The short working limb permits the use of short plates of horn. The addition of slivers of bone (horse or camel) as reinforcement allows construction of very light but strong non-working sections. I would go as far as to say that this bow is principally constructed of bone, horn and sinew: the role of the wood core in the construction is limited to a scaffolding to facilitate the assembly of the other materials.

For a further interactive discussion of this bow, please look for the new discussion topic on ATARNet.


Scylla and Charybdis

Bartholomeus Spranger's 1581 painting of Glaucus and Scylla (Public domain via Wikimedia Commons)

As Homer’s Odysseus and his men attempt to sail back home to Ithaca, they must pass through a narrow, perilous channel fraught with danger on both sides. Scylla—a six-headed, twelve-legged creature with necks that extend to horrible lengths and wolf-like heads that snatch and eat unsuspecting sailors—resides in a clifftop cave. On the other side of the strait, the ocean monster Charybdis rages and threatens to drown the entire ship.

This pair of monsters, Scylla and Charybdis, interested Zimmerman because “they’re represented as things that Odysseus just has to get past,” she says. “So they become part of his heroic story. But surely that’s not their only purpose? Or at least, it doesn’t have to be their only purpose.”

Homer described Scylla as a monster with few human characteristics. But in Ovid’s retelling, written about 700 years later, Circe, in a jealous fit of rage, turns Scylla’s legs into a writhing mass of barking dogs. As Zimmerman points out in Women and Other Monsters, what makes Scylla horrifying in this version of the story is “the contrast between her beautiful face and her monstrous nethers”—a metaphor, she argues, for the disgust and fear with which male-dominated societies regard women’s bodies when they behave in unruly ways.

As for Charybdis, the second-century B.C. Greek historian Polybius first suggested that the monster might have corresponded to a geographic reality—a whirlpool that threatened actual sailors along the Strait of Messina. في ال ملحمة, the Greek hero barely escapes her clutches by clinging to the splintered remains of his ship.

“[V]oraciousness is [Charybdis’] weapon and her gift,” Zimmerman writes, proposing a new dynamic of the story. “What strength the unapologetically hungry monster-heroine could have: enough to swallow a man.”


Khotan Terracotta Woman with Long Hair - History


Ancient Rome, c. 1st-2nd century AD. Fantastic bronze statuette of a Torch-Bearer. Depicted seated, chin in his right hand, elbow resting on knee. He holds a long torch in his left hand, the flame extending over his shoulder. Very rare! H: 6 cm (2 3/8"), nice olive-green patina. Mounted on custom base. ex-Bob Brand and Liz Werthan collection, Philadelphia, PA. #AR2660: $650 SOLD
Ancient Rome, c. 2nd-4th Century AD. A nice Roman bronze applique in the form of the bust of a man. Possibly depicting the emperor Galerius (305-311 AD), wearing laurel wreath, his features well-detailed. 1 3/4" (4.5 cm). Likely once graced a chariot or piece of important furniture. Intact, nice olive-green patina. Ex Los Angeles private collection. #AR2790: $399

To make a purchase, or for more information, CLICK HERE


روما القديمة. 2nd - 3rd Century AD. Very large bronze bust of a woman of Power and Nobility. Her hair is tied back in classic style of the time, she wears robes with delicate folds. Amazing piece with great detail and beautiful olive-green patina. 74 mm (nearly 3") tall. ex-Los Angeles, CA private collection. $1050. SOLD

Roman Egypt, c. 1st- 3rd Century AD. Large Romano-Egyptian terracotta head of a woman, with large diadem and ears pierced for earrings. H: 2 7/8" (7.5cm). With removable base. Ex Philadelphia, PA private collection. A large and attractive display piece! Very impressive in person. #AR2663: $375 SOLD
Ancient Rome, c. 1st - 3rd Century AD. Charming and quite large Roman terracotta head of a youth. With a slight smile, his hair styled in wild curls framing his face and extending down onto his shoulders. H: 3 1/4 (8.2 cm). Mounted on removable custom stone base. Ex Wiltshire, UK private collection. #AR2810: $450 SOLD
Ancient Roman, c. 2nd-3rd century AD. Great terracotta figural fragment depicting a musician playing a drum! Depicted in high relief, the drummer with good facial features and wearing a bracelet. H: 1 5/8" (4cm). Ex-David Liebert, The Time Machine, New York. #AR2857: $250 SOLD
Ancient Rome, c. 1st - 3rd Century AD. Great Roman terracotta togate torso from a statue. Depicts an individual standing, left arm at chest, right hand raising hem of toga. Nicely detailed with light earthen deposits throughout. H: 3 1/8" (8 cm). Mounted on antique wood base (total height 5 1/2" (14.3 cm). Ex collection of William Major Tedder. A nice display piece. #AR2735: $325 SOLD
Ancient Rome, 1st - 2nd Century AD. Nice large Roman marble head of a woman. Her features nicely carved and her hair styled back into a coiled plait at the nape of her neck. H: 3" (7.6 cm). Attractive surface deposits and mounted on black wood base. Ex collection of William Major Tedder. #AR2897: $750 SOLD
Emperor Nero!
Ancient Rome, c. 54-68 AD. Fantastic large terracotta head of the emperor Nero! Depicted in his youth, with his traditional hair style and excellent detailed features. Extremely rare depiction of a most famous emperor! Mounted on stand. H: 3 5/8" (9.2 cm) not including stand. Ex Royal Athena Galleries, New York. Incredible display-piece! #AR2432: $4500 SOLD

Hail Luo Ping! 18th Century Visionary Painter and Poet

Luo Ping, Freud’s Godfather, proclaims, ‘kill or be killed…’ but of course Luo Ping’s subtler than this, he only suggests what’s in his ‘unconscious’ mind. Sigmund Freud uncovered our powerful unconscious instincts about: life and death love and hate sex and survival. Luo Ping feels his.

/>

Contemporary Art


شاهد الفيديو: اجمل شعر بنت طويل ستوريات انستا شعر طويل حالات واتس اب شعر طويل (كانون الثاني 2022).