بودكاست التاريخ

ما هي التقنيات التي تم استخدامها لصنع الحلقات في العصور الوسطى؟

ما هي التقنيات التي تم استخدامها لصنع الحلقات في العصور الوسطى؟

هناك الكثير من المعلومات على الإنترنت فيما يتعلق بعملية صنع الحلقات اليوم باستخدام الأدوات الحديثة. ما هي التقنيات التي تم استخدامها قبل القرن السابع عشر؟


باستخدام تقنيات اللحام لربط نهايات الحلقة في حلقة واحدة كاملة.

هناك أدلة على أن اللحام كان يعمل منذ 5000 عام في بلاد ما بين النهرين. يُعتقد أن اللحام والنحاس قد نشأ في وقت مبكر جدًا من تاريخ تشغيل المعادن ، ربما قبل 4000 قبل الميلاد. السيوف السومرية من ج. تم تجميع 3000 قبل الميلاد باستخدام اللحام الصلب.

تم استخدام اللحام تاريخيًا في صناعة المجوهرات وأدوات وأدوات الطهي ، بالإضافة إلى استخدامات أخرى مثل تجميع الزجاج المعشق.

لذلك ، فإن نفس التقنيات المستخدمة لإنشاء الزجاج المعشق ، وأوعية الشرب / التخزين / النذرية المعدنية ، وما إلى ذلك ، تكون أصغر حجمًا وأكثر تعقيدًا.

بالنسبة للحلقات المصنوعة من الذهب الخالص ، تم استخدام شكل غير نقي من الذهب كحشو لأنه يذوب عند درجة حرارة أقل من الذهب الخالص.

تقنيات المجوهرات في العصور الوسطى

كلما زادت نجاسة الذهب ، زادت سرعة ذوبانه ، وبالتالي يذوب الذهب النجس قبل النقي ويمكن استخدامه بعد ذلك لربط قطعتين أو أكثر من الذهب النقي.


صنع الدروع. كيف فعلوا ذلك في العصور الوسطى؟

لا يوجد الكثير من المعلومات حول التقنيات المحددة لحرفية الدروع اللوحية. ولكن لا يزال لدينا مصادر مختلفة في ذلك الوقت مثل المخطوطات المضيئة والرسوم التوضيحية من العصور الوسطى حيث يمكننا رؤية حرفي يقوم بعمله وأوصاف أدوات تزوير محددة.

وفقًا لتلك المصادر التاريخية ، كان هناك هيكل في تنظيم العمل من الحدادين وعمال الصياغة الآخرين. كل واحد منهم كان يعمل في جزء معين من صناعة الدروع.

هناك & # 8217 مخطوطة واحدة مثيرة للاهتمام للغاية: قائمة من الحدادين الألمان الذين عملوا في غرينتش في القرن السادس عشر. يمكننا أن نقرأ هناك أن حرفيين مختلفين قاموا بعمل مختلف: بعضهم كان يقوم بتشكيل الصفائح الفولاذية التي تشكل شكل الدروع ، ولم يقم المصقلون إلا بإنهاء أعمال التلميع ، وقام صانعو الأقفال بعمل أبازيم وحلقات تركيبها على الدروع. كان الحدادون في ميلانو ، الذين اشتهروا في جميع أنحاء العالم بسبب دروعهم في ميلانو ، في القرن الخامس عشر قسمًا أكثر ثباتًا في العمل على التخصص. كان أحد الحرفيين يصنع جزءًا واحدًا أو عددًا قليلاً من أجزاء الدروع التي من المفترض أن تصبح درعًا كاملاً. علاوة على ذلك ، كان للعديد من الورش متخصصون في النقش والقش والتذهيب.

حتى القرن السابع عشر ، كانت الصفائح الفولاذية تصنع في الغالب من الكتل المعدنية. استخدم الحدادين هامر خاص تم تحريكه بواسطة آلية قوة الماء. نادرًا ما كانوا يستخدمون هامر اليد. وفقًا لأحد المصادر التاريخية ، في حوالي 1500 عام في ألمانيا ، كان الحرفيون يستخدمون أسطوانة معدنية خاصة. على الأقل أصبحت طريقة صناعة الألواح الفولاذية هذه شائعة حقًا في جميع أنحاء أوروبا.

كان لابد من قطع الألواح الفولاذية وفقًا لأنماط أجزاء الدروع: أرجل فولاذية ، وأذرع فولاذية ، وسبولدرز ، وأذرع ، وساباتون ، ودروع ، وخوذات. ثم بدأ الحداد في صنع الشكل بمساعدة قوالب الاستمارات الفولاذية الخاصة. بدوا مثل العديد من السندان المختلفة ثابتة عموديًا.

تم استخدام الطرق الباردة للحصول على الشكل الأساسي للدروع. لكن بعض الأجزاء مثل الحواف المنحنية أو & # 8220ribs & # 8221 لا يمكن إجراؤها إلا عن طريق التسخين والتلطيف.

بعد تشكيل كل الدروع الفولاذية للدروع المستقبلية وتشكيلها وتقويتها & # 8211 ، فإن الخطوة التالية قادمة. الأصعب: تجميع كل الأجزاء معًا وتعديلها لتناسب.

كانت هذه عملية مهمة للغاية ، نظرًا لأن الدروع المكتملة يجب ألا تحتوي على فجوات ، ويجب أن تكون مريحة للارتداء ، ومتحركة ، ومفصلية. وما كان ضروريًا حقًا لفارس العصور الوسطى & # 8211 يجب أن تحميه دروعه قدر الإمكان خلال الحروب العددية في العصور الوسطى.

اكتمل تعديل الدرع ، وماذا بعد؟ تلميع وتلميع وتلميع. لم يستخدم الملمع يديه فقط لهذا ولكن أيضًا آلية خاصة. كان نوعًا من العجلات الكاشطة التي تحركها المياه.

في حالة ما إذا كان يجب تزيين الدرع بالنقش أو القشرة & # 8211 ، فقد ذهب إلى أيدي النقش & # 8217s. كان للصائغ دور أيضًا إذا كان العميل غنيًا ونبيلًا حقًا.

الخطوات القليلة المتبقية قبل الدروع جاهزة للمعركة (أو ربما الاستعراض؟). في نهاية تصنيع الدروع ، كان على صانع الأقفال أن يربط جميع الأبازيم والحلقات والأربطة. في كثير من الأحيان كان للدروع غطاء من الكتان من الجانب الداخلي. تم تصميم الدرع المكتمل بفخر & # 8220signed & # 8221 بعلامة الحرفي.

في الوقت الحاضر ، يستخدم الحدادون الحديثون بعض تقنيات حرفية الحدادة في العصور الوسطى. لكن إنتاج درع HMB و IMCF لا يتعلق فقط بنصائح العصور الوسطى ، بل يتعلق أيضًا بمعرفة عمل الأدوات الكهربائية الأساسية.

تتطلب معركة الأمم أو WMFC درعًا عالي الجودة. يجب أن يكمل كل من الطابع التاريخي للدروع وخصائصه الوقائية.

في ورشة العمل الخاصة بنا ، يمكنك اختيار درع فولاذي مقسى ودروع من التيتانيوم وأشياء مبطنة لبدء معركة الاتصال الكامل في العصور الوسطى.


تاريخ موجز للأقراط

قرط من ذهب وحلي من ابريز الموبخ الحكيم لاذن سامعة.

إعادة بناء أوتزي رجل الجليد بناءً على القطع الأثرية التي تم العثور عليها مع الجسد

يعد تاريخ الأقراط أمرًا مثيرًا للاهتمام لأنه تم ارتداؤها من قبل كلا الجنسين لآلاف السنين. أظهر اكتشاف جثة عمرها 5000 عام في جبال الألب الإيطالية أن الرجال كانوا يرتدون الأقراط في وقت مبكر من العصر البرونزي. أوتزي الرجل الجليدي ، كما تُعرف الآن أقدم مومياء في أوروبا ، كان لديه ثقب بقطر 7-11 ملم في شحمة أذنه.

تابوت كانوبتي من مقبرة توت عنخ آمون

الأجسام المذهبة من قبر الفرعون المصري توت عنخ آمون (1341-1323 قبل الميلاد) ، بما في ذلك قناع الموت ، تحتوي أيضًا على حفر آبار.

ولد الزاهد والحكيم سيدهارثا غوتاما (حوالي 563-483 قبل الميلاد) في الثروة والسلطة. كدليل على المكانة ، كان يرتدي أقراطًا ثقيلة تمد شحمة أذنه. لكن في وقت تنويره ، نبذ مؤسس البوذية جميع الممتلكات المادية ، بما في ذلك مجوهراته. للاحتفال بعمله في التضحية بالنفس ، تم تصوير صور بوذا مع شحمة الأذن المنتفخة.

الأفاريز من برسيبوليس ، عاصمة الإمبراطورية الفارسية خلال السلالة الأخمينية (550-330 قبل الميلاد) ، تظهر المحاربين يرتدون الأقراط. وفي تقليد يمتد لقرون ، يتم ثقب شحمة أذن الأطفال الذكور والإناث في الهند بعد وقت قصير من ولادتهم.

إفريز من برسيبوليس يصور جنديًا بقرط

اعتقد القدماء أن المرض والأرواح الشريرة تدخل الجسم من خلال فتحاته. يمكن حماية الفرد إذا تم ارتداء التمائم في هذه المداخل ، بما في ذلك الأذنين. اعتقد الأطباء الأوائل أيضًا أن الأقراط - أو الأحجار الكريمة التي تحتوي عليها - تعالج الصداع وتحسن البصر. لكن من الواضح أن الهدف الأساسي كان تزيين الجسد.

انتقد بليني الأكبر (23 - 79 م) كثيرًا زملائه الرومان لاستهلاكهم الواضح. في هيستوريا ناتوراليس (ترانس. بوستوك ورايلي ، 1855) ، اشتكى بمرارة من أسلوب الحياة المسرف لمواطنيه. إنه يحتقر الذوق الجديد للمرأة لأقراط اللؤلؤ:

صورة فسيفساء من بومبي لامرأة تحمل أقراط

"نفتخر سيداتنا في تعليق هؤلاء من أصابعهن ، أو اثنتين أو ثلاثة منهن تتدلى من آذانهن. من أجل تلبية هذه الأذواق الفاخرة ، هناك العديد من الأسماء والتحسينات المرهقة التي تم ابتكارها من خلال الإسراف والإسراف بعد اختراع حلقات الأذن هذه ، فقد أطلقوا عليها اسم `` crotalia '' ، أو المعلقات الصنجات ، كما لو مسرورون للغاية حتى مع قعقعة اللآلئ لأنها تضرب بعضها البعض والآن ، في يومنا هذا ، تؤثر الطبقات الفقيرة عليهم ، حيث اعتاد الناس على القول ، أن `` لؤلؤة ترتديها امرأة في الأماكن العامة ''. ، جيد مثل أن يمشي مؤدب أمامها & # 8217. & # 8221

تم ذكر الأقراط في عدة أماكن في الكتاب المقدس ، لكن الإشارات عادة ما تكون غير مبهجة. على سبيل المثال ، يقول هوشع 2:13: "تزينت إسرائيل بأقراطها ومجوهراتها ، وطاردت عشاقها ، ونسيتني ، يقول الرب".

تم تصميم أقراط الزينة بحيث يمكن إزالتها بسهولة حتى يمكن تغييرها حسب الرغبة. ومع ذلك ، تم تصميم الأقراط أيضًا لتكون أكثر ثباتًا في الأذن & # 8212 وعلامة على العبودية. بحسب خروج 21: 2-6:

"إذا اشتريت عبدا عبرانيا ، فسيخدم ست سنين ، وفي السابعة يخرج حرا مجانا. فإن دخل بمفرده يخرج بنفسه: فإن كان متزوجا تخرج زوجته معه. إذا رزقه سيده بزوجة ، وولدت له أبناء أو بنات ، تكون الزوجة وأولادها سيدها ، ويخرج بمفرده. وإذا قال العبد بصراحة ، أنا أحب سيدي وزوجتي وأولادي ، فلن أخرج أحرارًا: ثم يحضره سيده إلى القضاة ، فيحضره أيضًا إلى الباب ، أو إلى عمود الباب ، سيده يحمل أذنه بأول ويخدمه إلى الأبد ".

ماري من بورغندي (1457–1482)

ظلت الأقراط شائعة في المجوهرات الشرقية على مر العصور ، لكن الأذواق الغربية أثبتت أنها أكثر تنوعًا. على الرغم من أن الأقراط لم تكن أبدًا غير عصرية ، إلا أنها لم تكن في بعض الأحيان مشهورة مثل قطع المجوهرات الأخرى. على سبيل المثال ، خلال العصور الوسطى ، ارتدت النساء أغطية رأس مرصعة بالجواهر وغالبًا ما كانت تسريحات شعرهن تغطي الأذنين ، لذلك أصبحت الأقراط زائدة عن الحاجة.

تفاصيل صورة السير والتر رالي

عادت شعبية الأقراط في القرن السادس عشر. ارتدت النساء جميع أنواع الأقراط ، لكن الأقراط المصنوعة من اللؤلؤ كانت شائعة بشكل خاص. كما ارتدى الرجال - بمن فيهم شكسبير ، والسير والتر رالي ، وفرانسيس دريك - خواتم ذهبية وزخارف أخرى في آذانهم. بين الرجال الملاحين ، شحمة الأذن المثقوبة تعني رحلة حول العالم أو عبر خط الاستواء. الناجون من حطام السفينة كانوا يرتدون قرطًا في شحمة الأذن اليسرى.

1. Helix ، 2. صناعي ، 3. Rook ، 4. Daith ، 5. Tragus ، 6. Snug ، 7. Conch ، 8. Anti-Tragus ، 9. Lobe

في أوائل القرن العشرين ، كان من غير المناسب ثقب شحمة الأذن. بدلاً من القضاء على استخدام الأقراط تمامًا ، تم اختراع الأقراط اللولبية. ظلت الأقراط ذات اللولب والظهر المشبك شائعة لدى النساء حتى عاد الثقب إلى الأناقة في الستينيات.

خلال الثمانينيات ، اعتنق الرجال مرة أخرى هذه الموضة القديمة. اليوم لم يعد صادمًا أن نراهم يرتدون الأقراط. ربما هذا ما يفسر لماذا أصبحت الثقوب معقدة بشكل متزايد. وغني عن القول ، أن تقنيات ومعدات ثقب الأذن اليوم مختلفة تمامًا عن أخذ المخرز وتشغيله عبر الأذن إلى الباب. ولكن من نواحٍ أخرى ، اكتملت الأمور: أحجام الآبار مرة أخرى تقارب تلك التي كان يمارسها أوتزي منذ حوالي 5000 عام.


تاريخ حفلات الزفاف: من العصور الوسطى حتى الوقت الحاضر

هل تغيرت حفلات الزفاف كثيرًا منذ العصور الوسطى؟ & # 8217s نلقي نظرة وشاهد & # 8230

لا يزال لدينا أعياد ضخمة تصاحبها في كثير من الأحيان حالات الغضب والسكر. الموسيقى والرقص من صنع الجميع. العروس لديها سيداتها في الانتظار ، والعريس لديه قابلات. لا تزال العروس ترتدي أحيانًا قماش قطني وأطواق # 8230 لا يزال معظم الناس يتزوجون في الكنائس. إذا كنت & # 8217 كاثوليكية ، فلا تزال بحاجة إلى الإلغاء مقابل الطلاق. الزواج لا يزال يعتبر عقدا بموجب القانون & # 8230

حفلات الزفاف في العصور الوسطى

خلال العصور الوسطى ، شهدنا ظهور قوانين الزواج. في عام 1076 ، أصدر مجلس وستمنستر قانونًا ينص على أن الزواج يجب أن يباركه كاهن ، وفي القرن السادس عشر قيل إن الزواج يجب أن يتم بواسطة كاهن مع وجود شهود. بدأت العقود والوثائق القانونية في العمل ، على غرار اتفاقيات ما قبل الزواج اليوم & # 8217s ، وعقود الزواج والتراخيص. سيتم تضمين المهر والملكية والحقوق وما إلى ذلك & # 8230 في هذه الوثائق.

صدق أو لا تصدق ولكن في العصور الوسطى ، كان نظام الجمال للمرأة # 8217 قبل زفافها مشابهًا جدًا لما كنت أفعله قبل زواجي & # 8230 غالبًا ما يتم رسم وجهها بنوع من مستحضرات التجميل (مناقشة مستحضرات التجميل في وقت لاحق) . قد تقوم بتبييض شعرها بالشمس. بعض النساء نتف منبت شعرهن. في العصور الوسطى ، كان من المألوف أن يكون لديك جبهة عالية. الآن هذا لم أفعله & # 8217t ، لكن لدي صديق لم يكن & # 8217t مغرمًا جدًا بأرملتها & # 8217s في الذروة. سوف يلبس الشعر فضفاض أو مع إكليل من الزهور. قد تكون هذه هي الزهور الوحيدة التي تزين العروس. حمل البعض كيسًا من الأعشاب والفواحات ، لكن ليس الباقة التقليدية التي تحملها العرائس المعاصرات.

إذا كانت المرأة من عائلة ثرية أو نبيلة ، فستحصل على حمام ساخن لطيف ، يتبعه بعض الزيوت المعطرة بالزهور والأعشاب. إذا لم تكن & # 8217t ، لكانت قذرة & # 8230 ولكن لا يزال هناك نوع من العطر لتغطية الروائح. قد يكون من الخطأ التفكير فيه ، ولكن إذا كان الجميع متسخين ، فهذا أمر طبيعي.

سيتم ارتداء أجود أنواع الحرير المطرز بالذهب أو الفضة. كانت الأقمشة ذات الألوان الزاهية شائعة. كان الرجال يرتدون أفضل ملابسهم في المحكمة ، أو حتى مجموعة من الملابس المصنوعة حديثًا. كانت المجوهرات والفراء والأحزمة المزخرفة تزين كل جسد نبيل.

اليوم الأبيض هو رمز النقاء ، ومعظم فساتين الزفاف مصنوعة بهذا اللون. في العصور الوسطى لم يكن هذا الأمر كذلك. ترتدي العروس & # 8217s اللون الأزرق في أغلب الأحيان ، حيث كان اللون الأزرق رمزًا للنقاء. إذا لم يكن ثوبها أزرق ، فسترتدي شيئًا أزرق ، مثل شريط على شخصها. ومن هنا اليوم & # 8217s ، & # 8220something Blue. & # 8221

أصبح الرباط شائعًا أيضًا في العصور الوسطى. بينما كان الضيوف يتابعون العروس والعريس إلى غرفتهم ، حيث & # 8220 و # 8221 الزوجين إلى الفراش ، كان الضيوف المتحمسون يتصارعون مع فستان العروس ، في محاولة لأخذ شيء ما من أجل حظ سعيد. كان ذلك عندما أصبح الرباط شائعًا ، لذلك سيحاول الناس بعد ذلك أخذها. أتساءل كيف صُدموا الآن إذا رأوا عريسًا حديثًا مدفونًا بعمق تحت تنانير عروسه ، يسحب الرباط المزركش بأسنانه؟ & # 8220Oh، heaven! & # 8221 ** crosss self ** سيكون ذلك فرحانًا.

عادة ما كان بإمكان الفلاحين تحمل تكاليف ارتداء ملابسهم اليومية فقط ، وربما كان ذلك الزي الجيد الوحيد الذي احتفظوا به للكنيسة.

بالنسبة لشخص مولود نبيل ، قد يتم حفل زفافهما في القلعة أو بطريقة. طالما أن الكاهن باركه ، لم يكن من الضروري أن يتم الاحتفال في الكنيسة. تليها الأعياد الكبيرة ، مع الحمقى ، والموسيقيين ، وغيرهم من الفنانين.

نشأت كعكات الزفاف المتدرجة اليوم & # 8217s في الواقع من العصور الوسطى. كان الضيوف يجلبون كعكات صغيرة ويرصونها فوق بعضهم البعض. سيحاول العروس والعريس بعد ذلك التقبيل فوق الكعك دون أن يطرقهما على الأرض.

كان من بين الضيوف سكان السكن والنبلاء والأقارب البعيدين. لم يتم إرسال الدعوات.

نادرا ما كان حفل الزفاف النبيل مليئا بالحب. كان زواجًا مرتبًا.

الآن كان الفلاحون مختلفين بعض الشيء. غالبًا ما يتزوجون من أجل الحب & # 8230 أو ربما كان مهرجان الحب السريع الذي أدى إلى الحمل يدفعهم إلى أسفل الممر. على الرغم من الاختلافات ، لا يزال الفلاحون يعتبرون الزواج عقدًا قانونيًا ، وكان هناك من عانى أيضًا من خلال الزواج المرتب. ستقام مراسم الخطبة فى المنزل بحضور بعض القرويين. كان تقليد القرية هو الاستحمام للعروس والعريس ببذور الحبوب ليتمنى لهما زواجًا خصبًا & # 8230 ليس بخلاف رمي الأرز ، الذي أصبح عتيقًا & # 8230

تم تبادل الخواتم بين الأثرياء ، ولكن بين الفلاحين ، غالبًا ما كان العريس يكسر قطعة نقود إلى النصف ، مع إبقاء جانب واحد لنفسه وإعطاء الآخر لعروسه.

حفلات الزفاف الإليزابيثية

الكثير من العادات من العصور الوسطى كانت لا تزال سارية خلال العصر الإليزابيثي. لا يزال الدين يلعب دورًا رئيسيًا في حفلات الزفاف ، ويدير المراسم كاهن ، على الأرجح في الكنيسة. كان موكب يأخذ العروس من منزلها إلى الكنيسة.

قبل الزواج ، سيتم عمل بكاء البان. كان هذا إعلان الزوجين عن نيتهما الزواج. إذا كان هناك أي شيء يمنع حدوث ذلك ، فسيتم طرحه خلال فترة الحظر. لا تزال هذه العادة تحدث في الكنائس البريطانية اليوم. سيتم الإعلان عن ذلك في الكنيسة ، ثلاثة أيام آحاد على التوالي. أي شخص تزوج دون إجراء Crying the Banns ، سيعتبر زواجهما غير قانوني. إذا كانوا يعيشون في أبرشيات مختلفة ، فستحتاج إلى البكاء في كليهما.

ومع ذلك ، إذا احتاج شخص ما إلى الزواج على الفور ، فيمكن أن يصدر له سند زواج من قبل الأسقف. عقد رباط الزواج لم يتطلب سوى أسبوع واحد من Crying the Banns. حقيقة ممتعة: حصل ويليام شكسبير وزوجته على رابطة زواج من الأسقف لحفل زفافهما.

كانت الأعراس تقام في الصباح قبل الظهر ، وتقام الأعياد بعد ذلك.

لعبت الزهور دورًا أكبر. وستكون وصيفات العروس مسؤولات عن عمل باقات للضيوف ، وصنع إكليل الزفاف ، الذي يتكون من إكليل الجبل والورود. ستحمل العروس إكليلها حتى ما بعد الحفل ، حيث ستضعه على رأسها.

سقطت تكلفة حفل الزفاف على عاتق والد العروس ، ولكن في القرى الصغيرة قد يقوم الجيران بإعداد الطعام للعيد ، مثل عشاء الحظ. تعثر تقليد آخر في العصر الإليزابيثي أيضًا ، وهو بيرة العروس. كانت العروس تجتمع في فناء وتبيع البيرة لأكبر عدد ممكن من الناس يشترونها ، مقابل المبلغ الذي يدفعونه لتمويل زفافها.

الدعوات لم ترسل بعد. عرف الناس حفل الزفاف وسيحضرون. إذا كان سيتم عقده في المحكمة ، فقد علم رجال الحاشية أن يذهبوا. في بعض الأحيان قد يتم إرسال ملاحظات صغيرة ، ولكن لا شيء رسمي. لوحظ نظام اجتماعي صارم في الكنيسة ، والنبلاء في المقدمة ، والفلاحون في الخلف.

كان عقد الزواج لا يزال مهمًا للغاية ، مع تفاصيل المهر والمفاصل (ما ستقدمه عائلة العريس للعروس إذا أصبحت أرملة).

لم تكن خواتم الخطبة مشهورة بعد ولكن يمكن رؤية خواتم الزفاف الماسية.

ريجنسي للأعراس

خلال فترة الوصاية على العرش ، أصبحت حفلات الزفاف في الغالب شؤونًا خاصة ، وحتى إذا كانت تُقام في الكنيسة لم يحضرها الكثيرون. كان مكانًا شهيرًا لإقامة حفل زفاف في كنيسة القديس جورج & # 8217s في ميدان هانوفر. في الواقع ، في عام 1816 كان هناك 1063 حفل زفاف أقيم في الكنيسة في ذلك العام. وفقًا لموقع Hibiscus Sinesis ، مع العديد من حفلات الزفاف في العام ، كان منافسًا مع كنيسة زفاف في لاس فيغاس.

في عهد ريجنسي ، بدأت فساتين الزفاف البيضاء تلتصق. كان ارتداء اللون الأبيض شائعًا خلال تلك الفترة على أي حال ، لذلك لم يكن & # 8217t مجرد ثوب زفاف.

لا تزال قراءة الحظر تتم في عصر ريجنسي ، ولكن كانت هناك أيضًا طريقتان أخريان يمكنك اتباعهما للقيام بذلك. كانت هناك الرخصة المشتركة التي حصل عليها الأسقف أو رئيس الأساقفة. كان يجب أن يتزوج الزوجان في كنيسة أو كنيسة صغيرة حيث عاش العروس أو العريس لمدة أربعة أسابيع. الطريقة الثالثة كانت الترخيص الخاص ، الذي أصدره رئيس أساقفة كانتربري أو دوكتور كومنز في لندن. يسمح الترخيص الخاص للزوجين بالزواج في أي وقت وفي أي مكان.

كانت حفلات الزفاف لا تزال تقام في الصباح ويمكن أن تليها وليمة إفطار.

حفلات الزفاف الفيكتورية

غالبًا ما تُمنح الملكة فيكتوريا الفضل في جعل ثوب الزفاف الأبيض شائعًا لأنها كانت ترتدي اللون الأبيض في حفل زفافها ، ولكن كان هناك العديد من العرائس الملكيات وغير الملكيات قبلها اللائي لم يرتدين الأبيض.

بدأت الزهور تلعب دورًا أكبر في حفل الزفاف. سيتم تزيين الكنيسة أو الكنيسة بها. يرتدي الرجال زهرة في طية صدر السترة من معطفهم الفستان أو معطف الصباح. في الريف ، كانت العروس تمشي إلى الكنيسة على سجادة من أزهار الزهور.

دقت أجراس الكنيسة لتنبيه الناس إلى أن العرس يقام ، ودرءًا للشر.

بحلول عام 1880 ، كان من الممكن إقامة حفلات الزفاف في وقت متأخر حتى الساعة 3 صباحًا والساعة 8217 مساءً.

الزيجات الاسكتلندية

كانت الزيجات في اسكتلندا مختلفة كثيرًا. لم تكن هناك كل القواعد المطبقة على إنجلترا. في اسكتلندا ، كان يُعتبر الزوجان متزوجين إذا أعلنا ذلك للشهود ، ثم تم إتمام الزواج.

في إنجلترا ، كان الناس يهربون إلى جريتنا جرين في اسكتلندا لتجنب القوانين والقيود. كانت هذه الزيجات تعتبر قانونية في إنجلترا ، على الرغم من عدم تشجيعها. يبدو غامضًا مثل حفل زفاف فيغاس & # 8230


الدعامة الطائرة.

إلى جانب الأقواس المدببة وأقبية الفخذ المضلعة ، تم تقديم الدعامة الطائرة كعنصر هيكلي رئيسي في مباني منتصف القرن الثاني عشر مثل Abbey of Saint-Germaindes-Prés وكاتدرائية Notre-Dame ، كلاهما في باريس ، والكاتدرائية في شارتر ، فرنسا. تعمل الأقواس المكشوفة "المتطايرة" فوق ممرات الكنيسة على دعم الجدار ضد الدفع الخارجي للقبو وضغط الرياح على السطح وتوجيه هذه القوى إلى ألواح ضخمة من البناء (دعامات). تشكل الدعامات الطائرة ، المنسقة مع أقواس الفخذ المضلعة والأقواس المدببة ، نظامًا جديدًا تمامًا. بدلاً من الغلاف المستمر للجدران الداعمة الثقيلة ، كما كان من سمات الطراز الرومانسكي ، أصبح الهيكل الآن يشبه القفص لمجموعة Erector ، مع ظهور الدعامات الطائرة داخليًا وخارجيًا. من خلال استغلال إمكانات هذه الميزات الجديدة ، تمكنت الهندسة المعمارية للكنيسة القوطية من تحقيق المستحيل: ارتفاع غير مسبوق مقترن بجدران كانت أكثر بقليل من شاشات مثقبة تمتلئ فتحاتها بحقول شاسعة من الزجاج الملون المبهر.


ما هي التقنيات التي تم استخدامها لصنع الحلقات في العصور الوسطى؟ - تاريخ


MEDIEVAL WOMAN خريطة الموقع و # 149 الكتاب و # 149 المدونة و # 149 مجموعة المصنوعات و # 149 البرنامج التعليمي و # 149 محادثات و # 149 لوحة الملاحظات

تقنيات الخياطة في العصور الوسطى:
الغرز والدرزات والخياطة

خياطة - وقت البناء - ربط النسيج - هيمينغ - أربطة عنق - عيون
بناء الجفن - البناء بأزرار - أزرار القماش - الشرابات - الحبل لوسيت - الحواف المقواة


تعتبر طرق الخياطة وربط اللحامات وصنع الثقوب والعراوي موضوعًا ذا أهمية كبيرة للعديد من العملاء التاريخيين وإعادة التشريع.

تخبرنا أدلة الخياطة المعاصرة قليلاً عن التقنيات الفعلية ، وتأتي مقتطفات من المعلومات إلينا من مصادر أخرى - مثل بعض الملابس الموجودة المنتشرة في جميع أنحاء العالم ، ومن النصائح المكتوبة.

مقتطف واحد لربة منزل شابة عند العناية بالنسيج يجب أن يكون "عن طريق الفم بينما يرش الخياط الماء على جزء من الفستان الذي يرغب في تنعيمه.

يخبرنا هذا أنه كان من الشائع إلى حد ما أن يقوم الخياط بترطيب الحافة بالماء أثناء الخياطة. الصورة على اليمين عبارة عن تفاصيل من إضاءة من القرن الخامس عشر تظهر امرأة تقطع وتزين.

وقت البناء
كان صنع الملابس عملاً مستهلكًا للوقت ، فقد يعمل أكثر من شخص على قطعة ملابس في وقت واحد ، مما قد يجعل من الصعب تحديد المدة التي يستغرقها صنع شيء ما. قد تعمل ربات البيوت أيضًا على الثوب أو الزي بشكل متقطع.

يأتي إلينا القليل من المعلومات حول وقت وتكاليف صنع الملابس من حسابات Great Warderobe من العائلة الملكية الإنجليزية في القرن الرابع عشر ، ومن هذا يمكننا تقدير الوقت المستغرق لصنع أشياء معينة.

زوج من الخرطوم: حوالي نصف يوم.
عباءة: 3 - 6 أيام حسب ما إذا كانت مبطنة أم لا.
سوبيرتونيك: 3 - أسابيع حسب ما إذا كانت مبطنة أم لا.
سترة: من 1 إلى 6 أيام حسب درجة التعقيد والبطانة وما إلى ذلك.

بناءً على تجربتي الشخصية في الخياطة ، فإن هذه الأوقات كلها قابلة للتحقيق ، باستثناء الخرطوم ، ما لم تُترك اللحامات خامًا ، مما يجعل القدمين غير مريحة للغاية.

يبدو أن بعض الملابس ذات الأغراض الخاصة قد تم طلبها في غضون مهلة قصيرة جدًا وقد لا تتمتع بالجودة النهائية للملابس التي كان من المقرر ارتداؤها مرارًا وتكرارًا.

التطريز
هناك مفهوم خاطئ شائع حول جودة الملابس في العصور الوسطى.

يفترض الكثيرون أنه بسبب عدم اختراع آلات الخياطة ، كانت خياطة الملابس وجودتها قاسية أو رديئة. هذا ليس أكثر من إهانة فادحة لأسلافنا من النساء.

يجب أن نتذكر أنه كل شىء كانت الخياطة مهارة يمكن للفتاة أن تتقنها في سن مبكرة جدًا. بحلول الوقت الذي كانت فيه امرأة شابة تخيط الملابس لنفسها أو لعائلتها ، يمكن توقع مستوى كبير من المهارة بشكل معقول.

حتى المرأة الفقيرة ذات الأقمشة المغزولة بالمنزل ستهتم بتزويد أسرتها بأفضل خياطة يمكنها أن تنتج ملابس تكون دافئة ومتينة. ستؤدي الصناعة الرديئة إلى انهيار الملابس عند اللحامات بينما كان القماش لا يزال صالحًا للخدمة - وهي خسارة لا يمكن للمرأة الأفقر السماح بها.

كانت طرق خياطة النسيج بسيطة إلى حد ما. مبين أعلاه:

طريقة 1. غرزة سقطت.
الطريقة الثانية. غرزة الجري.
الطريقة الثالثة. تركيبة سقطت وتشغيل غرزة لمزيد من المتانة.

ربط النسيج معًا
تم استخدام طرق مختلفة لربط الأقمشة المختلفة. لإلقاء نظرة شاملة على الخياطة الأثرية ، يرجى زيارة موقع Heather Jones's ARCHAEOLOGICAL SEWING.

لن أقوم بإعادة إنتاج جميع المعلومات هنا عندما قامت بهذا الكم الهائل من البحث الممتاز بالفعل.

يتم عرض ثلاث طرق بسيطة لربط القماش معًا هنا-

طريقة 1. يتم وضع القماش مع الجوانب الخارجية معًا. غرزة جارية تنضم إلى النسيج.
الطريقة الثانية. توفر الغرز الخلفية قوة أكبر للدرز.
الطريقة الثالثة. تستخدم طريقة اللحامات التي تستغرق وقتًا طويلاً وصلة أولية يتم فتحها بعد ذلك بشكل مسطح وتثبيتها بشكل زائد مع سطرين من غرزة الجري. هذه الطريقة الثالثة تجعل اللحام صلبًا جدًا ومسطحًا.

الصور المعروضة هنا وتلك المعروضة أدناه مأخوذة من متحف لندن سلسلة من الكتب عن ملابس العصور الوسطى وما زالت ممتلكاتهم.

هيمنج
إذا كان من الممكن استخدام حافة ، فقد ألغيت الحاجة إلى تنحنح. قطع الحواف ، بالطبع ، يتطلب هدبًا لمنع الاهتراء.

كانت غرزة السقوط الموضحة على اليمين هي الأكثر شيوعًا. يتم طي القماش لأسفل ويتم طي القماش مرة أخرى وخياطته في مكانه أدناه جنبًا إلى جنب مع الاختلافات: جنبًا إلى جنب مع غرزة جارية وغرزة جري تستخدم وحدها.

نصح Goodman of Paris في أواخر القرن الرابع عشر زوجته بأن القماش يجب أن يكون:

'عن طريق الفم بينما يرش الخياط الماء على جزء من الفستان الذي يرغب في تنعيمه.

رباطات
يوضح هذا المثال لشريط للرقبة أن شريطًا حريريًا قد تم خياطةه في الجزء الداخلي من عنق ثوب صوفي عالي الجودة.

سيوفر شريط مثل هذا تعزيزًا إضافيًا حيث من المحتمل أن يحدث البلى. تدعيم الفتح مصنوع من شريط حرير ضيق. يعود تاريخه إلى ما بين 1325 و 1350.

من الممكن أن يكون لهذا الثوب أو غيره شرائط مماثلة في نهايات الأكمام لتقوية الحواف التي تعرضت لأكبر قدر من التآكل.


الثقوب

بدون استخدام الكود البريدية ، تم تثبيت الفساتين إما بأزرار أو بجلد. كان من المرجح أن الملابس الداخلية كانت مربوطة ، مما يوفر صورة ظلية أكثر سلاسة وتملقًا وثوبًا أساسيًا أكثر راحة. كان من المرجح أن يتم تثبيت الفستان الخارجي بأزرار زخرفية مستديرة أو كروية بدلاً من أن تكون مسطحة.

تظهر على اليمين ، تفاصيل ثقوب عيينة على الحرير تواجه رواسب مؤرخة في القرن الرابع عشر. يمكن رؤية آثار قماش صوفي من الثوب الأصلي عند حواف الشريط المواجه أيضًا.

كانت الثقوب وفتحات الجلد على kirtles لا تزيد عن 2 سم بشكل عام. وضع الثقوب بعيدًا عن بعضها البعض ولن يمنع الرباط الفستان من التفتت بشكل غير جذاب. كانت العيينة جيدة الصنع قوية مثل تلك المعدنية التي نستخدمها اليوم.

خذ شريط قياس أو مسطرة وقم بتمييز الثقوب بفواصل لا تزيد عن 2 سم. عندما تقوم بتمييز الثقوب بحيث تكون محاذاة بالتساوي على كلا الجانبين ، يمكنك إزالة غرزة التدرج. باستخدام خيط مزدوج أو خيط من الكتان السميك ، قم بعمل غرزة خلفية حول الفتحة المحددة لتوفير إعادة الإنفاذ. سوف يعطيك أيضًا إرشادات للحفاظ على العيينة في المكان الذي تريده ومنعها من أن تصبح غير متوازنة.

باستخدام المخرز ، قم بثقب القماش مع دفع الخيوط بعناية.

من المهم جدًا ألا تمزق قطعة القماش أو تقطعها وإلا ستفقد العيينة بعضًا من قوتها أو تمزقها تحت الضغط أو التآكل المتكرر. قم بعمل 4 غرز في الشمال والجنوب والشرق والغرب لإبقاء الفتحة مفتوحة واستخدم المخرز برفق لإعادة فتح الفتحة.

كل ما تبقى ، هو خياطة حول الدائرة بغرز متقاربة ، باستخدام المخرز من وقت لآخر لإبقاء الفتحة مفتوحة. ستندهش من قوة النتيجة.


بناء عراوي
كما هو الحال في بناء العيينة ، يتم تحقيق العروة كما هو موضح في الصورة. الفرق الرئيسي في البناء هو أن العروة تحتاج دائمًا إلى القطع قبل الخياطة.

ثم يتم استخدام غرزة البطانية للالتفاف حول الفتحة. كانت الأزرار عادة ، ولكن ليس دائمًا ، تُخيط على ثوب مُقوى بشريط من الحرير أو قماش الكتان لإعادة التعزيز.

كانت فتحات الأزرار ، مثل ثقوب العيينة أو الجلد ، قريبة جدًا من الضبط ودائمًا ما يتم تشغيلها بزاوية قائمة على حافة فتحة الثوب. يجب الحرص على ألا تكون العروة كبيرة جدًا لأنها ستفتح قليلاً بالخياطة.

الصور المعروضة هنا مأخوذة من متحف لندن سلسلة من الكتب عن ملابس العصور الوسطى وما زالت ممتلكاتهم. تُظهر الصورة عراوي على حافة ثوب صوفي من وديعة مؤرخة من 1325 إلى 1350.

دروس الخياطة
لدي بعض البرامج التعليمية التي توضح كيفية صنع الثقوب والأزرار والعراوي بالإضافة إلى كيفية صنع سلك الصنبور الذي يكون مفيدًا لجلد العباءات أو لاستخدامها في الأربطة على الحقائب.

ابحث عنها في صفحة Pattern و DIY هنا

حقوق النشر ونسخ روزالي جيلبرت
جميع النصوص والصور الموجودة في هذا الموقع هي ملك لروزالي جيلبرت ما لم يذكر ذلك.
تظل الصور الفنية والأثرية ملكًا للمالك.
لا يجوز نسخ الصور والنصوص واستخدامها بدون إذن.


انشغال جديد: النظافة

خلال هذه الفترة أيضًا بدأ الناس يشعرون بالحاجة إلى النظافة. على عكس الرأي السائد ، أصبحت النظافة وبالتالي العطر شاغلاً هامًا خلال العصور الوسطى. في أكبر الولائم ، يقدم المضيفون أوعية من الماء المعطر لتنظيف أيدي الضيوف لأنهم يأكلون بأصابعهم. السيدات الأكثر ثراءً قدّرن بالفعل عطور اللافندر وزهر البرتقال. قاموا بإخفاء الأزهار تحت التنورات الداخلية وكان لديهم وسائد وأكياس صغيرة تحتوي على مسحوق معطر & # 8211 في مغسلة ملابسهم.

الحمام

في ذلك الوقت ، كان الحمام أيضًا من الطقوس التي يقدرها الجميع. يمارسها الأرستقراطيون في المنزل ويتم تقديمها في أحواض كبيرة مصنوعة من المعدن أو الحجر أو الخشب ، مغطاة بصفيحة ونضع فيها التوابل. أما بالنسبة للأشخاص ، فإنهم يذهبون إلى الحمامات العامة التي تقدم حمامات ساخنة ذات نكهة مقابل مبلغ متواضع لا بأس به من المال. مكان لقاء حقيقي ، يتحرك الرجال والنساء معًا للاستمتاع بلحظة من الاسترخاء. يمكن حتى إطالة فترة المتعة هذه بعد الاستحمام حيث كانت الأسرة ذات الأعمدة الأربعة متاحة للزوار للتمتع برفقة ساحرة.

نهاية الطقوس

ولكن ابتداءً من عام 1348 ، بدأ أعظم الأطباء في ذلك الوقت في تقديم المشورة ضد القيام بهذه الممارسة وخاصة الحمامات الساخنة التي تفتح المسام ، تاركة الباب مفتوحًا لجميع البكتيريا. The pressure of the Church, which condemned these places of depravity, added to the medical recommendations, will end up to the definitive closing of these establishments at the beginning of the Renaissance.

From left to right, the cultivation of various aromatic plants, the pomander worn by a noble and the illustration of public baths, a colorful meeting place.


العصور البرونزية والحديدية

The Sumerian civilisations in Mesopotamia were the first to use techniques like filigree and granulation. Excavations of the ancient city of Ur have revealed royal graves with pieces featuring these techniques from as far back as 2500BC. The Sumerian craftsmen used gold and silver in combination with precious stones like agate, lapis lazuli, and carnelian. The jewelry produced by the Sumerians consisted of sheet gold cut into earrings, complicated gold chains and necklaces and even stone-inlaid finger rings.

From Mesopotamia, the techniques spread west to present-day Turkey where excavations have revealed fine gold jewelry at Troy that has been dated to 2500-2300BC. The movement may have spread further west towards Greece and Crete as finds of lesser quality and of a slightly later date imply.

On the other side of the Mediterranean, jewellery began to play an important role by the 19th century BC in the Egyptian culture. The Egyptians developed many substitutes for precious stones. Faience and later glass beads have been found in great amounts. Precious stone simulants were invented and are here to stay.

From about 1700BC the Minoan civilisation shows to have mastered the fine techniques of filigree, granulation, and repoussé. The jewelry that has been unearthed on Crete shows strong influences from both Mesopotamia and Egypt but with its own strong design. The Minoan techniques and style jumped to mainland Greece with the city of Mycenae being the port of entry. The Mycenaean civilisation took over the Minoan decorative styles and gradually changed them into a style of their own.

Northern Europe came into it’s Bronze Age around 2000BC and a few well-made items from between 1800 and 1500BC have been excavated on the British Isles. It’s only after 1500BC that the extent of the pre-Celtic cultures’ metal jewelry becomes apparent. Tin, gold, and amber acted as natural riches that enabled the tribes living in these areas to trade with Mediterranean cultures. Rich grave gifts at several spots suggest a fairly well-developed society. Around 1100-1000BC a century of widespread disruption took place. The cultures that emerged from this century of regression, first the Urnfield culture and later The Hallstatt and La Tène cultures, had picked up on the progressive line of technical development and craftsmanship that we are reading throughout this article.

The Celts used red enamel in their jewelry from around 400BC. The technique of applying enamel dates back to the Minoan and Mycenaean times when simple encrusted enameled pieces were made. The Celtic craftsmen took enamel application to the next level though cloisonné and champlevé enameling was used to make very colourful body decorations.

The Celtic culture encompassed a wide variety of cultures living in the northern part of Europe that shared the same style and technique of their (metal) products. As a result, we see a somewhat uniform development in Celtic jewelry right up to the Roman conquest of the Celtic world in the first century BC.

From around 800BC, the Phoenician traders started to establish colonies all around the Mediterranean. They came from the eastern Mediterranean coast, the area that is now Lebanon and Israel, and influenced the jewelry making of the Greeks and Etruscans. The Phoenicians were the connecting element between the long traditions of Egypt and Mesopotamia and the ‘new’ civilisations in Greece and Italy.

Intaglios and cameos originated in ancient Greece where glyptography was perfected to an art form. The Greeks, like every other civilisation up until then, used stones that could be worked easily with the abrasives at hand and yet were hard enough to withstand the hardships of normal daily wear and tear. The most common abrasive in those times was quartz sand which was readily available and was used to polish cryptocrystalline quartz such as agate and carnelian and softer materials like lapis lazuli.

One ancient culture that has left us splendid proof of their gold working skills were the Etruscans. From the 8th century BC and on, this civilisation perfected gold working techniques that were clearly influenced by Greek culture(s). The fine detail of the Etruscan jewelry is of the highest quality and they used many colored stones. The Etruscan style was adopted by the Romans and formed the basis for Roman art and jewelry. One of the characteristics that the Romans adopted from the Etruscans was the love of precious stones in their jewelry.

The Roman Empire connected the western Asian cultures directly with the Celtic western European cultures. The excellent infrastructure provided by the Romans boosted trade enormously and triggered a vast exchange of products from east to west and vice versa. The Celts “Romanized’ quickly and took over Roman ideas of beauty. The characteristic Celtic jewelry made a place for roman techniques and styles.

After the fall of the western Roman Empire, the Great Migration of cultures put an end to the Celtic civilisations. The inlaying of colored precious stones and the revival of the old Celtic champlevé enameling makes jewelry from this period very colorful. The Eastern Roman Empire continued to exist far into the Middle Ages and developed a style of its own, influenced by the East.


Chainmail

Chainmail History
It is believed that chainmail was invented by the Celts. Chainmail history dates back to antiquity and was adopted by the Romans after they realised its potential after fighting the celts. A vatiety of materials were used to make chainmail including brass and iron but the most popular material was steel. In the 14th century, plate armor began to replace the chainmail worn by knights. However the chainmail was not completely disgarded by the Knights who continued to wear a shirt of chainmail beneath plate armor to protect the joints and the groin. Plate armor was extremely expensive and the average soldier during the Middle ages still used chainmail as their most effective form of protection. The history of chainmail shows its decline and use with the invention of the musket in 1520 and the subsequent use of gunpowder in variuos weapons.

Chainmail Armor
Chainmail armor provided protection against being cut by the opponents blade. It was effective against the sharp points and blades of the spear, axe and sword. It helped to prevent the skin being pierced stopping the fatal infections which often followed such injuries. Chainmail armor was ineffective against heavy blows from a blunt weapon. A padded, or quilted, garment known by various names such as Aketon, Arming coat, Doublet, Gambeson, Hacketon was worn in conjunction with chainmail as a form of additional defence. These garments consisted of a quilted coat which was either sewn or stuffed with linen or even grass. This served as padding for additional armour worn over the top. Shirts made of chainmail weighed up to 25 kilograms, depending on the size and the number of chainmail garments worn.

Chainmail Hauberk and other garments
The word chainmail refers to the material of the armor. Various clothes and garments were made from the chainmail material. Each piece of chainmail was fashioned specifically for whichever part of the body it was
intended to protect.

  • Chainmail Hauberk - A hauberk was a knee-length shirt made of chainmail
  • Haubergeon - A haubergion was a waist-length shirt
  • Chausses and Sabatons - Chausses and Sabatons were socks made of chain mail
  • Chainmail coif - A coif was a hood, protecting the head
  • Camail - A camail was the chain mail collar which hung from the helmet
  • Mitons - Mitons were the mittens worn to protect the hands

The Advantages of Chainmail
The advantages of using chainmail a protection during the Middle Ages were as follows:

  • It was flexible
  • سهل ان يصنع
  • Easy and fast to repair
  • Cheap and easy to fit many men, of all sizes
  • Allowed ease of movement

Making Chainmail
Making chainmail during the Middle Ages was undertaken by the blacksmith. Making chainmail armor involved the linking of iron or steel rings, the ends of which were either pressed together, welded or riveted. The rings were formed when they were stamped out of a sheet of iron and then used in alternate rows with riveted links.

Chainmail Patterns
The demand for chainmail during the period of the Middle Ages was substantial. Each piece of mail was fashioned specifically for whichever part of the body it was intended to protect. Chainmail patterns were used for creating this type of armor, resembling a modern knitting pattern. There was a basic chainmail pattern used for each part of the body it was intended to protect. Sizing was easily accomodated by the addition of extra rings. The most common form of chainmail patterns was the "four-in-one" pattern in which each link had four others linked through it.

Chainmail
Each section of this Middle Ages website addresses all topics and provides interesting facts and information about these great people and events in bygone Medieval times including Chainmail. The Sitemap provides full details of all of the information and facts provided about the fascinating subject of the Middle Ages!

Chainmail

  • عصر العصور الوسطى والفترة والحياة والعمر والأزمنة
  • Interesting Facts and information about Chainmail in the Middle Ages
  • Chainmail History
  • Chainmail Armor
  • Chainmail Hauberk and other garments
  • The Advantages of Chainmail
  • Making Chainmail
  • Chainmail Patterns

Goldsmithing & Goldsmithery (c.3000 BCE on) Techniques, History, Famous Goldsmiths


Statuette of Charlemagne
on the sceptre of Charles V
(Before 1380) Louvre, Paris.
Part of the French Crown Jewels.
Made from gold, glass beads,
pearls, rubies, gilded silver,
white enamel on gold.


Gold Chariot from the Oxus Treasure
(c.600-400 BCE) An exquisite item
of Achaemenid goldsmithing from
Ancient Persia.

Goldsmithing is the applied art of metalworking in gold. A goldsmith is essentially a metalworker whose specialty is working with precious metals like gold, silver, electrum, platinum, alloys like bronze and copper, as well as gemstones. (See also Crafts: History and Types.) Ever since the earliest civilization, goldsmiths have cast and hand-crafted gold artifacts, personal jewellery, platters, goblets, weaponry, equestrian items, as well as precious objects for ceremonial and religious purposes. Goldsmithing proved especially useful during medieval times, when goldsmiths were commissioned to adorn illuminated manuscripts with gold leaf, create gold reliquaries for holy relics and fashion numerous ecclesiastical objects out of precious metals. In addition, most countries have experienced their own "golden age" of precious metalwork, as exemplified by the wonderful Fabergé Easter Eggs made by the Russian master goldsmiths Gustav Fabergé (1814-1893) and Peter Carl Fabergé (1846-1920), during the 19th century. Other types of metalwork involves silversmiths or brightsmiths (who specialize in working with silver), coppersmiths (copper), blacksmiths (iron) and whitesmiths (so-called white metals like pewter and tin).

What are the unique properties of gold?

Gold is an extremely rare, valuable and lustrous metal. Compared to other metals it does not corrode or tarnish, it is easily melted, fused and shaped, and is highly ductile: a single ounce (28 grams) of gold can be beaten into a thin sheet measuring some 300 square feet. It is also easy to pressure-weld. Because of its value and malleability, gold was one of the first materials to attract attention. Egyptian art, in particular, as well as Aegean art were noted for their gold artifacts. Ever since Antiquity, gold items have been used as both decorative art and a source of wealth. In India, for example, gold is used universally both to decorate the body and express one's status. The skill of its goldsmiths is legendary, as exemplified by the Khudabadi Sindhi Swarankar goldsmithing community, whose outstanding artworks were showcased in London at The Great Exhibition of 1851.

What were the main techniques used by Goldsmiths?

A master goldsmith is trained in numerous types of metalworking, including the sawing, cutting, forging, melting, casting, beating, soldering, filing, engraving, embossing, enamelling and polishing of precious metals and gemstones. Traditionally, most goldsmiths either learned the craft in their father's workshop, or acquired the skills as an apprentice to a master craftsman. Many also fashioned jewellery, while a number practiced engraving as printmakers. Many of the best engravers of the 15th century, for instance, were either goldsmiths, or the sons of goldsmiths, such as Albrecht Durer and Martin Schongauer. During the late-19th century, due to the Arts and Crafts movement in England, Art Nouveau around the world and the Deutscher Werkbund in Germany, the art of jewellery-making underwent a significant revival. Today, many of the best art schools offer courses in goldsmithing, silversmithing and metalwork as a part of their fine art program.

In addition to the basic goldsmithery techniques of smelting and forging, goldsmiths learned a range of advanced techniques including niello, embossing, repoussé work, enamelling (including cloisonné, champlevé, basse taille, plique-à-jour), engraving and filagree decoration.

First used by the Egyptians, this decorative technique involves the application of Niello - a black-coloured powder, made by fusing together copper, silver, lead and sulphur - onto designs engraved on small-scale metal objects, usually made of silver. Once the engraved metal surface is coated with the Niello, heat is applied which causes the Niello to melt and run into the engraved channels. Kievan Rus craftsmen were noted for their nielli during the 10th to 13th century, some of which is preserved in the Ukrainian Museum of Historic Treasures, in Kiev. See also: Christian Art (Byzantine Era) (c.400-1200) and Russian Medieval Painting (c.950-1100). Another great exponent of Niello was the Florentine goldsmith Maso Finiguerra (1426-64). Other noteworthy nielli include Anglo-Saxon gold belt buckles and other items from the Sutton Hoo hoards and the Minden Crucifix (1070-1120, Minden cathedral, Germany).

This traditional metalworking technique is employed to create a raised or sunken design in a sheet of gold or other metal. A popular form of embossing is known as Repoussé - which involves the hammering of the reverse side of a metal sheet to create a design in low relief. Another method of embossing is known as Chasing. This works in the opposite way to repoussé: instead of hammering on the reverse side of the metal sheet to create a raised pattern on the front, chasing involves working on the front surface of the sheet to create a sunken design in the metal. Two exquisite examples of repoussé work are the Iron Age Petrie Crown (National Museum of Ireland), and the silver masterpiece known as the Gundestrup Cauldron (1st or 2nd century BCE, National Museum of Denmark, Copenhagen).

During the process of enamelling, a glass-like glaze is applied to a metal surface (or object) and then subjected to intense heat, which fuses the glaze, turning it into a beautifully coloured decorative coating. The glassy coating (known as vitreous enamel) can be made partly or wholly transparent, or completely opaque furthermore, its colour can be controlled by mixing the smelted glass with various metal oxides such as cobalt, iron, praseodymium and others. (See also: Stained Glass Art: Materials & Methods.) Enamelling has affinities with mosaics and painting, and attained its first peak in early Byzantine culture. It also flourished during medieval times, notably in Limoges (c.1200) during the era of Gothic art, and during the Italian Renaissance.

Cloisonné and plique-à-jour

The technique of cloisonné enamelling (from the French word for compartments) involves the soldering of flattened strips of metal (or gold/silver wires) onto a metal object, so as to create a number of raised compartments (cloisons) which are then filled with enamel and kiln-fired. A more advanced (and difficult) form of cloisonné is known as Plique-à-jour, in which the "compartments" are built with walls that are not firmly fixed to the metal base. The latter is then removed with a few taps, leaving a network of enamel-filled compartments, which allow much more light to shine through. Cloisonné was mastered during the early era of Byzantine art, and during the Romanesque/Gothic period. It also spread to China - Chinese cloisonné is now regarded as one of the most outstanding examples of the craft - see, for instance, the collection of 150 Chinese items at the G.W. Vincent Smith Art Museum, Springfield, Mass. Nineteenth century Japanese goldsmiths also produced large amounts of this type of enamelwork, which reached a peak during the turn of the century in Russia, thanks to the House of Khlebnikov and, of course, Fabergé. Other famous examples of cloisonné enamelling in Christian art include the Irish Ardagh Chalice (8th/9th century, National Museum of Ireland) the Holy Crown of Hungary (Crown of Saint Stephen, 11th century, Hungarian Parliament building, Budapest) the Khakhuli Triptych (8th-12th century, Art Museum of Georgia in Tbilisi), a gold altarpiece, reportedly the largest enamelled work of art in the world.

This goldsmith's technique is like cloisonné, except that a low-relief pattern is created (by engraving or chasing) on the floors of the "compartments", which are then filled with translucent or transparent enamel, allowing the design to shine through it. An outstanding example of basse-taille is the French Royal Gold Cup (aka The Saint Agnes Cup) (14th century, British Museum), created by goldsmiths during the era of International Gothic art. A solid gold cup richly decorated with enamel and pearls, it is generally regarded as the foremost example of late medieval French plate.

A specific type of enamelwork - the word is French for "raised field" - champlevé enamelling involves the creation of sunken troughs in the surface of a metal object, which are then filled with vitreous enamel and fired in a kiln or oven. The technique was not fully developed until the era of Romanesque art (1000-1150). Famous examples of champlevé include: the Stavelot Triptych (c.1158), a masterpiece of Mosan art - a style of Romanesque goldsmithery made around Liege, Belgium - now in the Morgan Library & Museum, New York and the Becket Casket (1180-1190) made of gilt-copper in Limoges, France (now in the Victoria and Albert Museum, London).

Filagree/Filigree (Granulation)

This delicate technique basically involves the creation of gold and silver metalwork, using patterns of tiny gold beads or globules of gold (granulation), soldered to the surface of an object in patterns suggestive of lace. It was widely used by Italian and French goldsmiths from the mid-17th century to the late 19th century. Filagree reached an early apogee in Etruscan and Greek art (c.550-250 BCE), and - judging by the collection of Scythian jewellery in the Hermitage Museum, St Petersburg - in Steppes art around the Black Sea. In Ireland, examples of filagree goldsmithery include the Tara brooch (c.700 CE, National Museum of Ireland), a masterpiece of Celtic Jewellery art, and the Derrynaflan Chalice (NMI) - both decorated in the La Tene style of art. (See also: Celtic Metalwork art.) Other important examples of filagree gold work are in the collections of the British Museum and the V & A, in London, and the Louvre in Paris.

The term Chryselephantine art - derived from the Greek words chrysos (gold) and elephantinos (ivory) - refers to sculptures made from a combination of ivory carving and gold. Typically, a chryselephantine sculpture was built around a wooden frame, using thinly carved ivory for the flesh, and gold leaf for the armour, clothes, hair, and other details. Precious and semi-precious gemstones were used for details like eyes, jewellery, and weapons. The design of chryselephantine works was often modular to enable the gold to be removed and melted for coins in times of financial necessity. The figure of Nike clasped in the right hand of Phidias' famous statue of Athena Parthenos (c.430 BCE, Parthenon) was made out of pure gold for this very reason. The two nost famous examples of chryselephantine Greek sculpture - both made from plated ivory and gold panels during the era of Classical Greek sculpture - were sculpted by Phidias (488-431 BCE). The first was the 42-foot high statue of Athena Parthenos (c.430 BCE) in the Parthenon at Athens the other was the 36-foot high statue of Zeus (430-422 BCE) in the temple at Olympia, which was regarded as one of the Seven Wonders of the Ancient World.

What is the history of goldsmithing?

As stated above, goldwork was practiced by the earliest Middle Eastern and Mediterranean cultures that gave rise to Mesopotamian art and Mesopotamian sculpture, as well as Egyptian and later Minoan art. Even less sophisticated styles of Hittite art and Assyrian art had a tradition of gold-working. Gold mines in Egypt, Nubia and Saudi Arabia were major suppliers of the precious metal. Once established in ancient Greece and around the Black Sea, goldsmithery was spread westwards into central and western Europe by migrating tribes of Celts, whose blacksmiths were renowned for their mobile forges and metalworking skills. (See also: Hallstatt Celtic culture [c.800-450 BCE] and Celtic art [from 1,000 BCE]). At the same time, Etruscan art in Italy was becoming famous for the gold artifacts of its tombs. The Romans were also active in goldsmithing, not least because of their innovations in metallurgy: new techniques for large scale gold extraction were developed by introducing hydraulic mining methods, notably in Spain and the Balkans.

The rise of Christianity significantly boosted demand for gold items - for devotional and ecclesiastical needs - and during the Dark Ages, monasteries in Ireland, Iona and Northern England were repeatedly raided by marauding Vikings in search of gold and precious objects, used in the making of illuminated manuscripts by artist-monks. In Constantinople, centre of the Eastern Roman empire and its own style of early Christian art, goldsmiths and mosaicists became renowned for their shimmering masterpieces of gold and multi-coloured mosaic art. See, for instance, the decorative gold and copper work on the celebrated Garima Gospels (390-660) from Ethiopia - the world's most ancient illuminated gospel text. As western European culture regained its strength during the eras of Carolingian art (c.750-900) and its successor Ottonian art (c.900-1050), more goldsmiths were hired to keep up with demand. Another influential school was the Mosan school which grew up in the area around Liege and the Benedictine monastery of Stavelot. Leading members of this school included Godefroid de Claire (1100-1173) and Nicholas of Verdun (c.1156�).

The use of gold for religious and secular objects duly became a worldwide phenomenon, and goldsmiths were constantly in demand both in times of affluence (when they were commissioned to produce an ever-widening array of precious items), and during times of extreme hardship (when gold items were melted down into coin).

The Renaissance: Growing affluence and trade

The cultural revolution known as Renaissance art was underpinned by an equally important revolution in commerce and finance, stimulated by greatly increased trade in silk, spices and ceramics, that would shortly transform many palaces, churches and homes of Christian Europe. The impact was also felt on the arts and culture of the quattrocento. For example, when ordering new oil paintings, patrons began to specify the exact amounts of gold, silver, lapis lazuli and other expensive raw materials from the east to be used in the work, in order to increase its opulence and grandeur. And goldsmithery was a central and influential craft in the whole process. (See also: Colour Pigments.)

The prospect of acquiring more gold to fuel their appetite for ostentatious grandeur had a direct impact on European exploration. Portuguese colonialists headed south to Morocco, in the early 15th century, in an attempt to control the gold supply emanating from the rich gold mines of Mali. A century before, in 1324, the Mali ruler Mansa Musa (1312�) undertook his famous hajj pilgrimage to Mecca, during which he gave away so much gold that its market price in North Africa collapsed for a period of several years. The European colonialization of South America was also prompted by reports of the widespread use of gold ornaments, particularly in Central America, Peru, Ecuador and Colombia.

After the Renaissance, goldsmithery in France was twice stimulated as part of the upsurge in French decorative arts, which resulted from the building of the palaces of Fontainebleau and Versailles. The first revival - associated with the Fontainebleau School - began in the 16th century (c.1528-1610) under the patronage of Francis I (1494-1547). The second revival began in the 17th century under the patronage of King Louis XIII (reigned 1610-43). For details, see: Palace of Versailles (built c.1624-98).

Since then, gold, and the production of gold items, has become closely linked to international trade as well as the liquidity and movement of personal assets, notably in India and the Far East.

Goldsmithing has been a springboard for many different types of art: the history of painting and sculpture, for instance, is full of examples of famous artists who first trained as goldsmiths or silversmiths. They include such Renaissance luminaries as Lorenzo Ghiberti (1380-1455), the Renaissance sculptor Luca Della Robbia (1399-1482), noted for his terracotta sculpture Vecchietta (1410-80), the Sienese painter and architect Antonio del Pollaiolo (1429-98), the quattrocento sculptor Andrea del Verrocchio (1435-88), the Medici sculptor who taught Leonardo the devout Florentine Sandro Botticelli (1445-1510) the fresco painter Domenico Ghirlandaio (1449-94) the engraver Cristofano Robetta (1462�) the Paduan sculptor Andrea Riccio (1470-1532) the High Renaissance artist Andrea del Sarto (1486�), the Mannerist painter Agnolo Bronzino (1503-1572), the Florentine sculptor Benvenuto Cellini (1500-71) the German engraver and printer Johannes Gutenberg (1395-1468), the artist Albrecht Durer the Elder (1427-1502), father of the Northern Renaissance painter Albrecht Durer the French Renaissance engraver Jean Duvet (1485-1562), the Swiss Renaissance painter and printmaker Urs Graf (1485-1528), and the leading English miniaturist Nicholas Hilliard (1547-1619), to name but a few.

Special mention should be made of the great Russian master goldsmiths from the 19th century, such as Andrey Grigoriev, Ivan Gubkin, Sakerdon Skripitsyn, and Ivan Zuyev. In addition, note the "artist-jewellers" Gustav Fabergé (1814�) and Peter Carl Fabergé (1846�), creators of the exquisite "Fabergé Easter Eggs" for the Romanov Tsars. Among the many Fabergé craftsmen involved in the various goldsmithery processes - in addition to the jewellers Michael Perchin (1860-1903) and Henrik Wigstrom (1862-1923) - were Erik August Kollin (1836-1901), Feodor Ruckert (1840-1917), August Frederik Hollming (1854-1915), Johannes Zehngraf (1857-1908), Johan Victor Aarne (1863-1934), Feodor Alexeievich Afanasiev (1870-1937), Karl Gustaf Hjalmar Armfeldt (1873-1959), Oskar Woldemar Pihl (1860-97), Vassily Zuiev (1878-1941). See also: Russian Art (30,000 BCE - 1920).

Famous Gold Objects, Statues, Artifacts and Hoards

In addition to those items cited above, here is a short list of famous objects made from gold and other precious metals.

رام في غابة (c.2500 BCE) British Museum, London
Sculpture in gold-leaf, copper, lapis lazuli, red limestone, from Ur. Regarded as a masterpiece of Sumerian art of the Third Millennium BCE.

Maikop Gold Bull (c.2500 BCE) Hermitage, St Petersburg
Gold Sculpture (Maikop Culpture) from North Caucasus

Vapheio Cups (c.1475 BCE) National Archeological Museum, Athens
Early Mycenean drinking cups by Minoan goldsmiths, using repoussé technique

Mask of Tutankhamun (c.1327 BCE) Egyptian Museum, Cairo
Mummy mask in gold, glass, lapis lazuli, obsidian, carnelian, quartz, faience

Prince of Marlik (c.1200 BCE) National Museum of Iran, Tehran
Gold bust made by Persian goldsmiths using repoussé technique

Oxus Gold Chariot (c.400 BCE) British Museum, London
Part of the Oxus Treasure created by Tadjikstan goldsmiths

Kul Oba Sythian Vessel (c.375 BCE) Hermitage, St Petersburg
Electrum vessel from Kerch tomb, made by Scythian goldsmiths

Broighter Hoard (Gold Torc, Boat) (c.100 BCE) National Museum of Ireland
Finest example of Celtic La Tene goldwork

Bactrian Gold Hoard (1st Century BCE)
20,600 gold ornaments from six burial mounds in Afghanistan

Bimaran Reliquary (c.50 CE) British Museum
Afghanistan gold container, decorated with rare images of Buddha

The Staffordshire Hoard (c.750) Birmingham Museum and Art Gallery
3,500-item collection of Anglo-Saxon gold and silver metalwork

Reliquary of St Faith (975) Church of Sainte Foy Monastery, Conques
Made from gold, silver, copper, pearls, cloisonné enamel

Golden Virgin (990) Essen Cathedral, Germany
Earliest surving statue of the Madonna, made from gold leaf, cloisonné enamel

Basel Cathedral Altar Front (c.1027) Musee National du Moyen Age
Made by Ottonian goldsmiths from gold, precious stones, pearls

Shrine of the Three Kings (1180-1225) Treasury of Cologne Cathedral
Created by Mosan goldsmith Nicholas of Verdun.

The Cellini Salt Cellar (1543) Kunsthistorisches Museum, Vienna
Enameled gold sculpture by Renaissance goldsmith/sculptor Benvenuto Cellini

The Golden Buddha (c.1760) Temple of Wat Traimit, Bangkok
World's largest solid gold statue worth approx $250 million

Collections of Gold Objects

Many of the world's best art museums have collections of antiquities made by goldsmiths from all over the world: see, for instance, the gold ornament rooms of the Louvre in Paris, the Hermitage Museum in St Petersburg, as well as the British Museum and the Victoria and Albert Museum in London. Note also that the British Royal family has over 250 Fabergé items in the Royal Art Collection. In America, the most extensive collections of gold artifacts are held by the Metropolitan Museum of Art, New York, the Museum of Fine Arts in Boston, the Art Institute of Chicago, the Detroit Institute of Arts, and the G.W. Vincent Smith Art Museum, Springfield, Massachusetts. Other collections of "objets d'art" are on display in specialist museums including the History Museum in Samokov, Bulgaria the Art Museum of Georgia in Tbilisi the Ukrainian Museum of Historic Treasures in Kiev National Archeological Museum, Athens the Egyptian Museum, Cairo and the Musee National du Moyen Age, Paris, to name but a few.

• For more about decorative arts and crafts, see: Visual Arts Encyclopedia.


شاهد الفيديو: Arabljani u ranom srednjem veku (كانون الثاني 2022).